Ein Teller aus Hasami-Porzellan, der Yoshitomo Naras Let's Talk About "Glory" (2012) wiedergibt: ein Acrylgemälde auf Leinwand, auf dem eines seiner typischen Mädchen den Betrachter frontal ansieht, die Brauen leicht zusammengezogen, den Mund zu einem schmalen Strich gepresst. Sie wirkt, als hätte man ihr erklärt, was Ruhm bedeutet. Überzeugt ist sie nicht.
Das Originalwerk stammt aus der Zeit nach dem Großen Ostjapanischen Erdbeben von 2011, als Naras Farbpalette weicher wurde, seine Farbschichten sich vervielfachten und das wütende Stirnrunzeln seiner früheren Figuren einem stilleren Gestus Platz machte: schwere Lider, suchende Blicke, verhaltene Ladung. „Ich war so niedergeschlagen, dass ich nicht anders konnte, als zu empfinden, dass alles, was ich getan hatte, völlig sinnlos war", erinnerte er sich später. Als die Pinsel schließlich wieder zum Einsatz kamen, war das trotzige Grimassenschneiden verschwunden. Was blieb, war ein Blick, der gerade deshalb schwerer wiegt, weil er weniger verlangt. Keine erhobene Faust, keine gebleckten Zähne, nur Augen, die etwas gesehen haben und noch entscheiden, was sie damit anfangen sollen.
Wie die übrigen Stücke aus Naras Hasami-Porzellanserie wird auch dieser Teller in der Präfektur Nagasaki gefertigt, Heimat einer der ältesten Keramiktraditionen Japans. Glatt und für seine Größe überraschend schwer, trägt er einen Druck, der scharf genug ist, um die geschichtete, beinahe durchscheinende Qualität von Naras Palette nach 2011 zu bewahren, mit den gedämpften Grüntönen und zurückhaltenden Hauttönen, die die flachen, knalligen Farben seines früheren Werks ablösten.
Das Stück bewegt sich an einer Schnittstelle, die Nara gut kennt: zeitgenössische Kunst und traditionelles japanisches Handwerk. Ähnliches hatte er bereits erprobt, als er zusammen mit dem Kunsthandwerker Yasu Shibata Mokuhanga-Holzschnitte in der Tradition des Ukiyo-e herstellte, eine Zusammenarbeit, die um 2010 begann und über ein Jahrzehnt andauerte. Beide Male übergab Nara seine Bildwelt einem Handwerk, das seit dem 17. Jahrhundert besteht, und ließ das Medium die Bedeutung neu formen. Ein Gemälde auf Leinwand wird zu etwas anderem, wenn es auf eine Scheibe wandert, die in einem Ofen in Nagasaki gebrannt wurde: weniger eine Reproduktion als eine Übersetzung, so wie ein Gedicht sein Register wechselt, wenn es von einer Sprache in eine andere übergeht.
Die Miene auf diesem Teller trägt die Spannung, ohne sie erklären zu müssen. Zweiundzwanzig Zentimeter Nagasaki-Porzellan, ein unbeeindrucktes Gesicht und ein Titel, nach dem sich „Ruhm" anhört wie etwas, über das sie längst hinausgewachsen ist.
Wer neugierig ist, wie Naras Werk sich zu Bewegungen wie Superflat und der japanischen Neo-Pop-Welle verhält, zu der auch Takashi Murakami zählt, findet in unseren Artikeln über Murakamis Editionen und das Sammeln limitierter Druckgrafik einen guten Einstieg. Und wenn der Sog zwischen Unschuld und Schwere reizt, treffen die Druckgrafiken und Skulpturen von Roby Dwi Antono denselben Nerv: großäugige Figuren, die aussehen, als wären sie aus einem Kinderbuch herausspaziert und in etwas deutlich Komplizierteres hineingeraten.
