"Vor einigen Jahren fand ich in meinem Holzschuppen einen anderen Stamm. Er hatte gewundene Einschnitte, die nicht zufällig zu sein schienen. Er lag einige Zeit in meinem Atelier herum, bis ich ihn eines Tages über eine Tonplatte rollte und dabei einen wunderschönen Abdruck hinterließ...".
So beginnt die Geschichte des TRAÇAS-Projekts. Die Abdrücke, die Patricia Lazcano auf dem Baumstamm fand, waren Rillen, die von den Larven bestimmter xylophager Käfer erzeugt wurden. Diese Larven fressen die Oberfläche des Holzes unter der Rinde des Baumes von dem Moment an, in dem sie schlüpfen und das Ei verlassen, bis sie ihre endgültige Größe erreichen und durch ein Loch in der Rinde herauskommen.
Diese zufällige Entdeckung wurde zu einer Suche. Eine Suche, die nicht nur aus dem Sammeln besteht, sondern auch aus dem Beobachten, dem Aufdecken und der Suche nach der besten Art und Weise, die Schönheit und Besonderheit dieser Spuren zu zeigen. Spuren, die je nach Käferart und Baum unterschiedlich sind. Die Arbeit der Künstlerin wird dann umfangreich und überwältigend, da sie eine Unendlichkeit von Mustern, chaotischen Gittern, Explosionen, Landschaften? entdeckt.
Der anfängliche Prozess der Stücke, aus denen dieses Projekt besteht, beginnt mit der Behandlung des Stammes, der zur Form und zum Objekt der Entwicklung wird. Die ersten Stämme hatten keine Rinde und waren von der Witterung angegriffen. Die Künstlerin entdeckt, dass sie durch die Vorwegnahme dieses Verfalls definiertere Rillen für ihre Arbeit erhalten kann. Indem sie nach Anzeichen für das Vorhandensein der erwähnten Xylophagen in der Rinde suchte und diese dann selbst entfernte, fand sie deutliche, aktuelle Spuren. Wie bei den Abdrücken wird auch das Ablösen der Rinde zu einem der spannendsten Momente des Prozesses. Das sind Momente, in denen eine einzigartige Spur zum Vorschein kommt.
Nach der Behandlung der Baumstämme verwendet Patricia Lazcano diese als Walzen, mit denen sie ihr Bild auf Keramikstücke druckt. Die Verwendung von bei niedriger Temperatur behandelter Keramik als Trägermaterial hat in diesem Zusammenhang eine wichtige Bedeutung, da es sich um ein natürliches Material handelt, das wie Holz zu einem Zeugnis des Lebens wird.
Die Keramiken, die der Künstler in TRAÇAS präsentiert, sind ein biologisches Zeugnis, eine Aufzeichnung von dem, was war, die wir nur durch das Volumen wahrnehmen. Ein greifbares Volumen, weiß und rein. Das Volumen der Abwesenheit.
]]>Schauen wir uns die einzelnen Werke dieser beeindruckenden und ikonischen Serie des gefeierten britischen Künstlers etwas genauer an.
Wu Zetian war die einzige Frau, die in China die Position der Kaiserin innehatte. Sie wuchs in einer wohlhabenden Familie auf und erlangte schnell Aufmerksamkeit für ihre Brillanz und ihr Talent. Im Alter von 14 Jahren trat sie in den Harem von Kaiser Taizong ein. Unmittelbar nach Taizongs Tod bestieg sein Sohn Gaozong den Thron und behielt Wu in seinem Harem. Da die Konkubinen nie vom Vater auf den Sohn übergingen, war dies für die damalige Zeit eher ungewöhnlich.
Wu löste Kaiserin Tang ab, nachdem sie sich ihrer entledigt hatte, und übernahm in den letzten Jahren ihres Mannes den Großteil der politischen Entscheidungen. Unmittelbar nach Gaozongs Tod übernahm sie die Rolle der Witwe und der regierenden Kaiserin, doch schließlich inszenierte sie einen Staatsstreich und gründete ihre eigene Dynastie.
Kaiserin Wu etablierte sich mehr als zehn Jahre lang als effektive Herrscherin und trug zum Wachstum des Militärs, der Bildung und der Infrastruktur des Reiches bei. In der Zwischenzeit wollten ihre Gegner nicht zugeben, dass sie, eine Frau, über die Pläne des kaiserlichen Chinas entschied, und verbreiteten Gerüchte über Morde, Säuberungen und Orgien, die ihr einen schlechten Ruf einbrachten.
Die Wahrheit ist, dass Wu Zetian aus beiden Blickwinkeln der Geschichte betrachtet werden kann, entweder als brillante und fähige Führungspersönlichkeit für ihr Land oder als gerissene, grausame Frau mit offensichtlicher Machtgier.
Ein einzelnes Paar Schmetterlingsflügel in der Mitte einer sechseckigen, symbolträchtigen Komposition ist von einem konzentrischen Kreis anderer Flügelpaare umgeben. Diese Anordnung entwickelt sich zu einer symmetrischen, dynamischen sechseckigen Form mit drei Flügelpaaren, die in jedem Punkt angeordnet sind. Der Rückgriff auf die Zahl sechs zur Definition dieser Komposition erinnert daran, dass sie in der chinesischen Kultur häufig als Symbol für Wohlwollen verwendet wird, was die Sechs zu einer Glückszahl macht. Das Sechseck, das im Chinesischen die sechs Himmelsrichtungen (Nord, Süd, Ost, West, Himmel und Erde) bezeichnet, steht für Vollendung, Harmonie und Gleichgewicht, was der Zahl zusätzliche Bedeutung verleiht. Diese Konnotationen erinnern auch an das Leben von Wu Zetian, deren Gerissenheit, Tapferkeit und Entschlossenheit ihrem Reich zu Stabilität verhalf.
In einer Zeit und an einem Ort, an dem Frauen keine Beachtung geschenkt wurde, übernahm Nūr Jahān, die mächtigste Frau im Indien des 17. Jahrhunderts, die Kontrolle. Mihr un-Nisa, ihr Geburtsname, der später in Nūr Jahān geändert wurde, ein Name, der "Das Licht der Welt" bedeutet, war als geschickte Jägerin, weise Herrscherin, hervorragende Architektin und feinsinnige Dichterin bekannt.
Nūr Jahān hatte keinen loyalen Hintergrund, und nachdem sie Witwe geworden war, schloss sie sich dem Harem von Jahandir, dem Mogulkaiser, an. Sie stieg schnell zur Lieblingsfrau des Kaisers auf und begann, politische Entscheidungen zu beeinflussen. Ner Jahn, der einzige weibliche König der Dynastie, wird in der bangladeschischen, pakistanischen und indischen Tradition hoch geachtet.
Nūr Jahān war nicht nur eine ausgezeichnete Jägerin, Diplomatin und Beraterin, sondern auch eine begabte Architektin, die für ihre Eltern in Agra ein Grabmal schuf, das als Vorbild für das Taj Mahal diente. Tatsächlich wird das Mausoleum ihrer Eltern aufgrund seines ursprünglichen Designs als "das kleine Taj Mahal" bezeichnet. Damien Hirst hebt diesen architektonischen Aspekt von Nūr Jahān und der Gestaltung ihres Grabes in Agra in diesem Werk besonders hervor.
Einzelne oder gepaarte Flügel in dramatischen Rot- und Schwarztönen von unterschiedlicher Größe sind in Nūr Jahān zu symmetrischen Mustern gruppiert. Die Flügel strahlen von der Mitte aus in vier Richtungen aus - vertikal, horizontal und diagonal - und bilden fesselnde Muster, die das Auge zur Mitte führen. Die umgebenden Flügelarrangements scheinen sich zurückzuziehen und lenken die Aufmerksamkeit des Betrachters auf das zentrale Flügelpaar in der zentralen quadratischen Komposition. Diese komplexe, tektonische Struktur erinnert an die architektonischen Leistungen von Nūr Jahān und die prächtigen Mosaikfliesen, die das Grabmal in Agra schmücken.
Die Anordnung von Nūr Jahān verändert sich ständig; je mehr der Betrachter sich davor positioniert und es studiert, desto mehr neue Passagen mit Mustern von bemerkenswerten Flügeln werden sichtbar. Dies gilt insbesondere für die großen schwarzen und roten Flügelpaare, die einen unregelmäßigen Rahmen um den äußeren Rand der Komposition bilden. Auf diese Weise verleiht Hirst dieser strukturierten Komposition ein Gefühl von Leben und suggeriert, dass sich diese Schmetterlinge in der Mitte einer Reihe von Flugrichtungen befinden.
Theodora war von 527 bis zu ihrem Tod im Jahr 548 die Frau von Justinian I. und damit die bedeutendste Kaiserin der byzantinischen Ära. Trotz ihrer bescheidenen Anfänge werden Theodora und ihr Mann sowohl in der östlichen als auch in der orientalisch-orthodoxen Kirche als Heilige verehrt. Theodora wurde als formelle Herrscherin angesehen, obwohl sie es nicht war. Sie war die Partnerin ihres Mannes bei der Entscheidungsfindung, und er hörte auf ihren klugen und verlässlichen Rat in entscheidenden Situationen während ihrer Herrschaft.
Theodora setzte sich für eine frauenfreundliche Politik ein, indem sie beispielsweise den Handel mit jungen Mädchen für illegal erklärte. Unter Theodora erließ Justinian I. Dekrete, die die Todesstrafe für Vergewaltigung einführten, die Rechte der Frauen auf Eigentum ausweiteten, Müttern einige elterliche Vormundschaftsrechte zugestanden und die Hinrichtung einer ehebrecherischen Ehefrau verboten. Viele Menschen fragten sich, ob Theodora aufgrund ihres Einflusses auf das Reich wirklich das Sagen hatte und nicht Justinian.
Theodoras Schmetterlingsflügel vereinen verschiedene Rot- und Schwarztöne zu einem faszinierenden asymmetrischen Muster, das in dieser Serie einzigartig ist. Der Druck ist symmetrisch in horizontale Drittel und vertikale Hälften unterteilt, wobei in der oberen Hälfte des Drucks ein Kreis gebildet wird. Die Komposition wird durch Linien in leuchtendem Rot bestimmt, die nur aus der Nähe sichtbar sind. Die auffälligsten Elemente sind das untere horizontale Band, der Kreis und die vertikale Linie, die zusammen an das weibliche Geschlechtssymbol erinnern. Dies erinnert an einige der historischen Maßnahmen Theodoras zugunsten der Frauen, wie das Verbot des Mädchenhandels und die Änderung des Scheidungsrechts zur Stärkung der Rechte der Frauen.
Der Grad des strukturierten Chaos in Theodoras Anordnung der Flügel, die im gesamten Stück paarweise oder einzeln erscheinen, hebt sie hervor. Die geschickt geplante asymmetrische Komposition erweckt den Eindruck, dass diese Flügel in Bewegung sind, über die Bildebene hinweg (und spürbar darüber hinaus) gezoomt werden und nicht nur tote Exemplare sind, die für den ästhetischen Genuss des Betrachters organisiert werden.
Kaiserin Suiko war die erste Frau, die den Chrysanthementhron bestieg. Sie regierte 35 Jahre lang, von 593 bis 628. Nur acht Frauen haben Japan je regiert. Suiko war eine der ersten buddhistischen Herrscherinnen, und zu ihren zahlreichen Errungenschaften gehören die Anerkennung des Buddhismus in Japan, die Aufnahme diplomatischer Beziehungen zum Hof im Jahr 600, die Einführung des zwölfstufigen Kappen- und Rangsystems im Jahr 603 und die Verabschiedung der Verfassung mit 17 Artikeln im Jahr 604.
Das Werk von Damien Hirst hat eine eindeutig kreisförmige Form. Die Schmetterlinge sind kreisförmig angeordnet, wobei sich einer in der Mitte befindet. Der Kreis ist besonders wichtig, wenn es um den Buddhismus und Japan geht. Er ist ein Symbol, das die japanische Ästhetik und Kultur kennzeichnet. Je nach Kontext kann er auch als Dharma oder Enso bezeichnet werden. Einige Konzepte, die in direktem Zusammenhang mit dem Kreis stehen, sind Erleuchtung, Eleganz, Universum und Leere.
Suikos kompositorische Anordnung erinnert an die buddhistische Ikonografie und den Lebenszyklus, da die paarweise angeordneten Flügel unterschiedlicher Größe vom Zentrum des Werks ausstrahlen und einen symmetrischen konzentrischen Kreis bilden. Glitzernde rote Linien, die die Komposition diagonal von der Mitte bis zu den Ecken durchziehen, tragen dazu bei, dieses kreisförmige Design auf auffällige Weise zu definieren. Die Linien verlaufen durch die körperlosen Flügelpaare vor dem roten Hintergrund, wo sich zuvor die Körper befanden.
Suiko ist ein Werk der Serie, das sich, wie die anderen Werke der Serie, ständig verändert. Wenn man vor dem Werk steht, bewegen und verändern sich die Schmetterlinge. Aus der Ferne wirkt die Komposition sehr lebendig, obwohl die komplizierten Details des Drucks nur aus der Nähe voll zur Geltung kommen. Suiko scheint eine ballonartige Konfiguration von Flügeln zu haben, die um ein zentrales Muster konzentrischer Kreise angeordnet sind und aus diesem Blickwinkel durch nach außen gerichtete Anordnungen weiterer Flügel ergänzt werden. Diese Anordnung erinnert an eine biologische oder molekulare Struktur und erinnert an die Organismen, die sie darstellt.
Die äthiopische Adelige Taitu Betul war Kaiserin des Äthiopischen Reiches (1889-1913) und in dritter Ehe mit Kaiser Menelik II. von Äthiopien verheiratet. Gemeinsam mit ihrem Ehemann Menelik II., der zu dieser Zeit Herrscher der Provinz Shewa war, gründete sie 1887 die Stadt Addis Abeba, die heutige Hauptstadt des Landes. Sie gilt als eine Schlüsselfigur in der Geschichte der afrikanischen Frauen und als Pionierin im Kampf gegen den Kolonialismus.
Nach einer Reihe von Ehen heiratete Betul im April 1883 den Monarchen Choa Sahle Myriam, der im Norden des Landes Unterstützung benötigte. Gestärkt durch seine Position nahm Sahle Myriam 1889 den Titel Menelik II., König der Könige von Äthiopien, an, und Taytu Betul stieg zur Kaiserin auf und wurde zu einer der mächtigsten Frauen ihrer Zeit.
Taytu Betul widersetzte sich der italienischen Kolonialpolitik in ihrem Land als geschickte Diplomatin und glühende Nationalistin. Die Kaiserin lehnte alle Gespräche ab, die zu einem Verlust äthiopischer Gebiete führen würden. Taytu Betul koordinierte die Truppenversorgung vor Ort während der Schlacht von Adoua im Jahr 1896, in der die Italiener eine demütigende Niederlage erlitten.
Nach dem Tod ihres Mannes wurde sie von Meneliks Gegnern und der Bevölkerung vernachlässigt. Ob sie nun mächtig oder unbeliebt war, Kaiserin Taytu stellte sich den Gegebenheiten und trug zum Aufbau des heutigen Äthiopiens bei. So hat ihr Erbe einen wichtigen Beitrag zur modernen Geschichte Äthiopiens geleistet.
Taytu Betul lenkt die Aufmerksamkeit sofort auf die Spirale, die sich aus roten und schwarzen Flügelpaaren zusammensetzt. Sie beginnt in der Mitte des Bildes und erstreckt sich nach außen, scheinbar über die Bildebene hinaus. Als Taytu Betul ihre Armee in die Schlacht führte, um ihre Grenzen zu verteidigen, spiegelt der Schwung, der im Laufe des Stücks zunimmt, ihre Inbrunst und ihren körperlichen Einsatz wider. Diese Flügel werden durch zusätzliche Flügelarrangements in verschiedenen Größen, Farben und Mustern ergänzt, die als sekundärer Hintergrund für die Hauptaktivität des Werks dienen.
Taytu Betul hebt sich vom Rest der Kollektion durch sein hartnäckiges Bemühen ab, die Schmetterlinge in ihrem authentischen, lebendigen Zustand einzufangen. Das luftige Design des Drucks lädt den Betrachter ein, nach unten zu schauen, während sich die Komposition spiralförmig und dynamisch entwickelt und die Bewegung dieser Schmetterlingsgruppe einfängt.
]]>Das Werk von Yves Klein offenbart eine neue Auffassung von der Rolle des Künstlers, der sein ganzes Leben als ein Kunstwerk betrachtet. "Kunst ist dort, wo der Künstler hingeht", erklärte er einmal. Seiner Meinung nach existierte die Schönheit überall, aber in einem Zustand der Unsichtbarkeit. Seine Aufgabe war es, die Schönheit dort einzufangen, wo sie zu finden war, sowohl in der Materie als auch in der Luft. Der Künstler nutzte Blau als Vehikel für seine Suche nach Immaterialität und Unendlichkeit. Sein berühmtes "Blauer als Blau", dem er den Namen "IKB" (International Klein Blue) gab, ist eine so intensive und besondere Farbe, dass sie nicht nur den Blick des Betrachters auf sich zieht, sondern sich auch in sein Gedächtnis einprägt.
Einige Künstler und Kritiker hielten IKB zum Zeitpunkt seiner Entstehung für einen Skandal, denn wie konnte ein Künstler so arrogant sein, eine Farbe für sich persönlich zu beanspruchen? Andere wiederum hielten Klein für ein Genie, einen Vorläufer des heutigen Zeitalters, in dem selbst das unbedeutendste und unwichtigste geistige Eigentum eifersüchtig gehütet wird. Auch heute noch wird diese Frage kontrovers diskutiert, wenngleich diese Debatte größtenteils durch ein grundlegendes Missverständnis darüber angeheizt wird, was die IKB wirklich ist und was Klein getan hat, um sie zu rechtfertigen.
Es ist falsch zu glauben, dass IKB eine neue Farbe sei. Das ist sie nicht. IKB ist lediglich eine Formel für die Vermittlung einer Farbe, die bereits existierte. Ein weiteres Missverständnis besteht darin, dass Klein IKB patentiert hat und damit vor dem Gesetz das Eigentumsrecht und das Recht zur Verwendung und Vermarktung beansprucht. Das ist nicht wahr. Yves Klein hat IKB nur mit Hilfe eines Soleau-Umschlags registriert. Der Soleau-Umschlag (französisch: Enveloppe Soleau), benannt nach seinem französischen Erfinder Eugène Soleau, ist ein versiegelter Umschlag, der ausschließlich dazu dient, eine Erfindung, eine Idee oder die Entstehung eines Werkes genau zu datieren. Der Absender eines Soleau-Umschlags fertigt zwei Kopien der Beschreibung einer Idee an. Ein Exemplar wird an die Behörde geschickt, die das geistige Eigentum registriert, das andere verbleibt beim Anmelder. Der Soleau-Umschlag, den Klein zur Eintragung der IKB an die französische Regierung schickte, wurde versehentlich vernichtet, so dass wir nur anhand der von ihm aufbewahrten Kopie bestätigen können, dass die IKB jemals eingetragen wurde. Auf jeden Fall bedeutet ein Soleau-Umschlag nicht, dass er Eigentum ist. Anders als bei einem Patent hat der Hinterleger kein ausschließliches Recht auf die beanspruchte Idee oder Erfindung. Ein Soleau-Umschlag kann zwar dazu dienen, eine Schöpfung zu archivieren und ihren Inhalt genau zu datieren, er stellt jedoch kein gewerbliches Schutzrecht dar. Er gewährt keinen direkten Schutz und der Soleau-Umschlag ist kein Ersatz für ein Patent. Und die Erfindung der IKB war genau das, eine Erfindung, eine Idee.
Jedes Gemälde beginnt im Grunde genommen mit einem Körper. Eine Pflanze, ein Stein oder ein Insekt wird zu einem Pulver verarbeitet und dann mit einem Bindemittel vermischt, so dass etwas Flüssiges entsteht, das auf eine Oberfläche aufgetragen werden kann. Die Farbe des Feststoffs bestimmt weitgehend die Farbe der Farbe. In der Renaissance war die wertvollste, seltenste und teuerste Farbe Ultramarin: ein spektakuläres blaues Pigment. Es wurde durch Schleifen von Lapislazuli gewonnen, einer Art metamorphem Gestein, das sich unter Druck verändert wie Kohle, die sich in Diamant verwandelt. Obwohl er heute auf mindestens vier Kontinenten vorkommt, wurde Lapislazuli damals nur im heutigen Afghanistan abgebaut. Seine Seltenheit und die Kosten für seine Einfuhr nach Europa machten ihn so teuer. Der Wert des Lapislazuli und seine besonders intensive Farbe veranlassten die Maler zu der Überzeugung, dass es sich um das perfekte Pigment für die Darstellung von Königtum und Heiligkeit handelte, und so wurde es häufig in religiösen Gemälden und Porträts von Königen und Königinnen verwendet. Auch Yves Klein liebte die leuchtenden Qualitäten von Ultramarin, störte sich aber daran, dass das Pigment, wenn es mit Fixiermitteln gemischt wurde, um die Oberfläche eines Gemäldes zu bedecken, durch das Fixiermittel die Farbe veränderte.
Die Gründe für Kleins Streben nach einem möglichst intensiven und reinen Blau liegen in einem frühen Misserfolg, den er als Künstler erlitt. In dem Glauben, mit reiner Farbe die vollkommene spirituelle Essenz menschlicher Gefühle ausdrücken zu können, veranstaltete er 1955 und 1956 zwei aufeinanderfolgende Ausstellungen mit monochromen Gemälden, die jeweils nur aus einer einzigen, reinen, soliden Farbe bestanden. Die Gemälde wurden völlig missverstanden. Das Publikum sah sie eher als Dekoration denn als abstrakte Ausdrucksformen reiner Emotionen. Nach einigem Nachdenken kam Klein zu dem Schluss, dass dieses Missverständnis vielleicht auf die Tatsache zurückzuführen war, dass die monochromen Bilder aus mehreren verschiedenen Farben bestanden, was die Betrachter verwirrte. Daher beschloss er, sich bei seiner nächsten Ausstellung auf eine einzige Farbe zu konzentrieren.
1956 nahm Klein die Hilfe von Edouard Adam in Anspruch, einem Farben- und Pigmenthändler, dessen Pariser Geschäft in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts eine Anlaufstelle für Künstler war. Die Anfänge waren schwierig. Das blaue Pigment verlor beim Trocknen unweigerlich sein samtiges Aussehen und seine Intensität. Der Grund dafür war, dass das Bindemittel, das zur Fixierung der Farbe benötigt wurde, ihre Textur und damit ihr Wesen veränderte. Klein und Adam probierten verschiedene Formulierungen aus - Leinöl, Hautleim, Kasein - aber ohne großen Erfolg.
"Er suchte nach einem Bindemittel, das in der Lage war, jedes einzelne Pigmentkorn aneinander und dann an den Träger zu binden, ohne dass eines von ihnen verändert oder seiner autonomen Strahlungsmöglichkeiten beraubt wurde, während es sich gleichzeitig mit den anderen und mit dem Träger verband und so die farbige Masse, die Bildfläche, schuf".
Die Gründe für Kleins Streben nach einem möglichst intensiven und reinen Blau liegen in einem frühen Misserfolg, den er als Künstler erlitt. In dem Glauben, mit reiner Farbe die vollkommene spirituelle Essenz menschlicher Gefühle ausdrücken zu können, veranstaltete er 1955 und 1956 zwei aufeinanderfolgende Ausstellungen mit monochromen Gemälden, die jeweils nur aus einer einzigen, reinen, soliden Farbe bestanden. Die Gemälde wurden völlig missverstanden. Das Publikum sah sie eher als Dekoration denn als abstrakte Ausdrucksformen reiner Emotionen. Nach einigem Nachdenken kam Klein zu dem Schluss, dass dieses Missverständnis vielleicht auf die Tatsache zurückzuführen war, dass die monochromen Bilder aus mehreren verschiedenen Farben bestanden, was die Betrachter verwirrte. Daher beschloss er, sich bei seiner nächsten Ausstellung auf eine einzige Farbe zu konzentrieren.
1956 nahm Klein die Hilfe von Edouard Adam in Anspruch, einem Farben- und Pigmenthändler, dessen Pariser Geschäft in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts eine Anlaufstelle für Künstler war. Die Anfänge waren schwierig. Das blaue Pigment verlor beim Trocknen unweigerlich sein samtiges Aussehen und seine Intensität. Der Grund dafür war, dass das Bindemittel, das zur Fixierung der Farbe benötigt wurde, ihre Textur und damit ihr Wesen veränderte. Klein und Adam probierten verschiedene Formulierungen aus - Leinöl, Hautleim, Kasein - aber ohne großen Erfolg.
"Er suchte nach einem Bindemittel, das in der Lage war, jedes einzelne Pigmentkorn aneinander und dann an den Träger zu binden, ohne dass eines von ihnen verändert oder seiner autonomen Strahlungsmöglichkeiten beraubt wurde, während es sich gleichzeitig mit den anderen und mit dem Träger verband und so die farbige Masse, die Bildfläche, schuf".
Adam und Klein wandten sich an den Chemiehersteller Rhône Poulenc. Die Forschung führte zur Entwicklung eines Polyvinylacetat-Bindemittels (ein synthetisches, aus Erdöl gewonnenes Harz), das sie unter dem Namen Rhodopas M oder M60A registrieren ließen. Dieses Harz, das auch als Fixiermittel dient, hat ein hohes Schrumpfvermögen beim Trocknen, so dass das Pigment im Gegensatz zu anderen Bindemitteln matt und schwammig bleibt. Rhodopas bildet zusammen mit 95%igem Ethylalkohol und Ethylacetat das Lösungsmittel, in dem das getrocknete synthetische Ultramarinblau-Pigment suspendiert wird, wodurch die beeindruckende Farbe entsteht, die Klein suchte: eine Farbe, die das "außerordentliche Eigenleben" des Ultramarinblau-Pigments bewahrt. Das Harz, das noch heute unter dem Markennamen le Medium Adam25 hergestellt wird, kann in demselben Geschäft gekauft werden, in dem sich Klein in Montparnasse eindeckte.
Von unschätzbarem Wert war jedoch die Entdeckung einer Forschungsarbeit der Restauratorin Christa Haiml, die versuchte, das beschädigte Klein Blue Monochrome (IKB 42) (1960) zu reparieren. IKB besteht aus einem bestimmten Bindemittel und einem bestimmten Pigment. Im Gespräch mit Edouard Adam fand Haiml heraus, dass: Es gibt kein echtes IKB-Pigment. Das "reine Ultramarinblau, Referenz 1311", das in Kleins aufgezeichneter Formel so präzise klingt, bezieht sich auf ein Blau, das Adam von seinem damaligen Pigmentlieferanten bezog, doch dessen Lieferanten wechselten im Laufe der Jahre und die Herkunft von 1311 lässt sich nicht mehr genau nachvollziehen.
IKB war nicht nur die perfekte Mischung aus Pigment und Harz, sondern auch eine idealisierte materielle Manifestation, die eine Idee perfekt repräsentierte. Erstaunlicherweise schuf er bis zu seinem Tod nur etwa 200 Werke mit IKB. In dieser kurzen Zeitspanne gelang es ihm jedoch, die IKB-Malerei zu etwas wirklich Einzigartigem und nach Meinung vieler zu etwas Heiligem zu machen.
]]>Yves Klein suchte unermüdlich nach dem Wesen der Kunst, in der Hoffnung, ihre grundlegende Immaterialität zu enthüllen. In der Bildhauerei fand er ein befreiendes Medium, mit dem die monochrome Kunst den Raum in drei Dimensionen durchdringen konnte. 1962, in seinem Todesjahr, schuf Yves Klein einige seiner weltbekannten Meisterwerke, die in das getaucht sind, was sein Markenzeichen wurde: IKB-Blau. Diese Skulpturen wurden zwischen 1982 und 2001 veröffentlicht und sind heute bei Sammlern in aller Welt heiß begehrt. Im Jahr 2022 erscheint die sechste Ausgabe der nach dem Tod des Künstlers herausgegebenen Werke, "L'Ours Klein".
Die sechs offiziellen Ausgaben, die nach dem Tod von Yves Klein erschienen sind, lauten wie folgt:
Anlässlich des 60. Todestages des Künstlers schlug Artémus Éditions, ein französischer Kunstverlag, der sich dem Werk von Yves Klein verschrieben hat, der Stiftung des Künstlers vor, das berühmte International Klein Blue (IKB) auf einer ebenso ikonischen Skulptur anzubringen. "L'Ours Blanc" (Der Eisbär), ein Meisterwerk des französischen Künstlers François Pompon, wurde vor 100 Jahren auf dem Salon d'Automne 1922 vorgestellt. François Pompon wollte das Wesen der Form und der Bewegung einfangen, Yves Klein wollte mit seiner IKB das Wesen der Farbe einfangen, und aus der Verschmelzung beider Ideen entstand diese Edition.
Pompon interpretierte die Tiere neu, indem er sie in seinen Skulpturen ohne Details darstellte. Obwohl das Ergebnis nicht dem realen Bild entsprach, gelang es Pompon, den Fluss der Bewegung, der Pose und der Textur einzufangen. Eine riesige Skulptur, "L'Ours Blanc", wurde erstmals 1922 auf dem Pariser Salon d'Automne ausgestellt. Der Künstler schuf diesen Bären noch einige Male mit verschiedenen Materialien, die berühmteste ist in Stein gemeißelt und kann im Musée D'Orsay in Paris besichtigt werden.
1954 suchte Klein das Atelier von Édouard Adam in Paris auf, um einen Weg zu finden, die Reinheit des ultramarinblauen Pigments zu erreichen. Adam war es, der das von Yves Klein gesuchte Medium entwickelte, das die Intensität und Textur des Originalpigments beim Auftragen auf seine Werke bewahrte. Diese Kombination aus Bindemittel und Pigment wurde vom Künstler 1960 unter dem Namen IKB (International Klein Blue) registriert.
Diese Edition vereint die rechtmäßigen Inhaber der Rechte von Yves Klein und François Pompon, um ein Werk zu schaffen, das mit dem Erbe beider Künstler kohärent ist. Es sei darauf hingewiesen, dass die hohen Standards und Anforderungen der Stiftungen, die für das Image der beiden Künstler verantwortlich sind, während der gesamten Produktion der Edition die Richtschnur waren, um Museumsqualität zu erreichen.
Artetrama ist stolz darauf, diesen "L'Ours Klein" anbieten zu können, eine handgefertigte Harzskulptur von 40 cm Länge, die in einer exklusiven, auf 999 Exemplare limitierten Auflage geschaffen wurde und deren individuelle Nummerierung sich unter dem Bein der rechten hinteren Flanke befindet. Der Bär ist durch eine Plexiglasglocke fixiert und geschützt und wird in einer eigens für diese Edition angefertigten Schachtel versandt, die entsprechend ihrem Inhalt ein zartes und elegantes Design aufweist. Artetrama nutzt den exklusiven Versanddienst "White Glove Service", der es uns ermöglicht, das Kunstwerk durch einen auf die Handhabung und den Transport von Kunstwerken spezialisierten Kurier zu liefern.
Dieses exquisite Werk wird von einem Echtheitszertifikat begleitet, das selbstverständlich nummeriert, mit dem Siegel des Herausgebers versehen und von Vertretern der Rechteinhaber Yves Klein und François Pompon unterzeichnet ist.
Yves Klein hinterließ ein bedeutendes Werk und ein Archiv mit einer Vielzahl von Dokumenten, Schriften, Fotografien, Filmen, Tonaufnahmen, Büchern und Notizbüchern. All diese Archive wurden von seiner Witwe Rotraut Klein Moquay zusammengetragen und aufbewahrt, die diese Arbeit nun fortführt.
Die Aufgabe des Yves-Klein-Archivs besteht darin, zu einer besseren Kenntnis des Werks des Künstlers beizutragen, an der Ausarbeitung eines neuen Werkverzeichnisses zu arbeiten, verschiedene kulturelle Projekte zu organisieren und daran teilzunehmen sowie für die wissenschaftliche und künstlerische Forschung zugänglich zu sein.
Die 1997 gegründete François Pompon Association ist die einzige Einrichtung, die heute das Werk des Bildhauers François Pompon (1855 - 1933) und sein Wirken verteidigt. Ihr Ziel ist es, alle Forschungen und Verbreitungen zu fördern, die zur besseren Kenntnis und Förderung seines Werks beitragen. Die Vereinigung wird von einem 12-köpfigen Verwaltungsrat geleitet, der auf der Grundlage des Testaments des Künstlers (5. Juni 1929) die moralischen Interessen von François Pompon verteidigt und die Achtung seines Werks gewährleistet.
Verpassen Sie nicht die Gelegenheit, dieses ganz besondere Stück hier zu erwerben.
]]>Am häufigsten werden seine Werke in einer Auflage von 300 Exemplaren in Offset Lithografie mit verschiedenen Veredelungen hergestellt. Ob Mr. DOB, Kaikai Kiki, lächelnde Blumen, bunte Totenköpfe, Blumenkugeln, Selbstporträts... all diese für Takashi Murakamis Werk so charakteristische Ikonografie ist dank seiner grafischen Arbeit für die Öffentlichkeit zugänglich.
Bei Artetrama arbeiten wir seit mehr als 10 Jahren mit dem grafischen Werk von Takashi Murakami. Während dieser ganzen Zeit können wir sagen, dass es drei Aspekte des Werks dieses japanischen Künstlers gibt, zu denen uns unsere Kunden am meisten befragt haben. Dies sind das Datum, die Signatur und die Technik.
Das Datum:
Jedes einzelne Exemplar, das von Takashi Murakami veröffentlicht wurde, trägt neben seiner Unterschrift und Nummerierung eine Inschrift mit dem Copyright des Bildes. Dieses Copyright, das sich in der Regel am unteren Rand des Werks befindet, enthält den Titel des Werks und ein Datum. Dieses Datum bezieht sich auf das Jahr, in dem das Bild, das in dieser Ausgabe reproduziert wird, geschaffen und patentiert wurde. Das Datum, das Galerien und Auktionshäuser als Information über das Werk angeben, ist das Datum der Veröffentlichung der limitierten Auflage, das in der Regel nicht mit dem Datum übereinstimmt, das auf dem Copyright der betreffenden Offsetlithografie, des Siebdrucks oder des Archivpigmentdrucks steht. Mit anderen Worten: Das von den Fachleuten angegebene Datum ist das Datum der Herstellung der limitierten Auflage, auf der das Bild basiert, und nicht das Datum des Urheberrechts, das ein früheres Datum haben kann.
BOKAN- Camouflage Pink (2013)
Die Signatur:
Wie bereits erwähnt, sind alle grafischen Arbeiten von Takashi Murakami von ihm selbst signiert und nummeriert. Irgendwann fängt ein Murakami-Sammler an, Werke zu vergleichen und stellt plötzlich etwas Seltsames fest: Die Unterschriften sind unterschiedlich! Ja, Takashi Murakamis Unterschrift entwickelt sich von einem mehr oder weniger lesbaren Gekritzel zu großen Schleifen.
In seinen frühen Werken beschränkt sich Takashi Murakami darauf, seinen Vornamen Takashi zusammen mit der Jahreszahl zu stempeln. Von 2001 bis 2004 wechselte seine relativ gut lesbare Signatur zu einer ähnlichen, aber fließenderen. Die erste auffällige Veränderung seiner Unterschrift findet 2005 statt, als sie zu einer Wellenlinie wird. Die Linie wird flacher, bleibt aber im Allgemeinen bis 2010 gleich. Diese lineare Signatur hat sich in der Zeit von 2005 bis 2010 als nützlich erwiesen, da die zweite Hälfte dieses Zeitraums den Beginn einer verstärkten Produktion markiert.xtagstartz
]]>Als kleiner Junge arbeitete Yves in der Buchhandlung seiner Tante, wo er sich mit dem Künstler Arman (Armand Fernandez) und dem Komponisten Claude Pascal anfreundete. Gemeinsam besuchten sie den langen Kieselstrand von Nizza und teilten mit einer gewissen Eloquenz die ganze Welt auf: Arman wählte die Erde, Claude wählte die Worte, während Klein, auf dem Rücken liegend und mit Blick auf die weite blaue Decke, den Himmel wählte.
Es scheint, dass die Reinheit und Weite des Himmels ihn zutiefst anspricht. Klein selbst würde später schreiben: "Als Teenager schrieb ich in einer fantastischen Phantasiereise meinen Namen auf die Rückseite des Himmels... Seitdem hasse ich die Vögel, weil sie versuchen, mein größtes und schönstes Werk zu durchbohren! Weg mit den Vögeln!".
Klein begann seine künstlerische Laufbahn Mitte der 1940er Jahre, im Alter von etwa 18 Jahren. Vielleicht weil seine Eltern Maler waren, war er sofort entschlossen, die Konventionen der Wandmalerei zu sprengen. Im Jahr 1948 begann er mit der Arbeit an einem seiner bemerkenswertesten und überraschendsten Werke: einer musikalischen Komposition auf einer einzigen Note, gefolgt von einer langen Stille, die er Monotone-Silence Symphony nannte.
Um seinen Abenteuertrieb zu befriedigen, widmete er sich zwischen 1948 und 1953 dem Reisen. Zunächst reiste er nach Italien und dann nach England, wo er in einer Einrahmungswerkstatt arbeitete und das Vergolden mit Blattgold lernte. Später reiste er nach Irland, Spanien und schließlich nach Japan. Er füllte Notizbücher mit Fotos, Skizzen und Notizen von seinen Reisen.
In diesen Jahren widmete er auch viel Zeit dem Judo. Yves Klein war Träger des prestigeträchtigen 4. Dan-Grades, übte regelmäßig und dokumentierte dies in Filmen und Schriften. Die Zusammenarbeit zwischen seinem Körper und der Kampfkunst führte ihn dazu, "den menschlichen Körper als geistigen Raum zu entdecken", wie er es später beschrieb.
Seine Monochrome, zunächst in verschiedenen Farben, wurden 1955 erstmals im "Club des Solitaires" in Paris ausgestellt, dann in Galerien in Mailand, Paris, Düsseldorf und London. Zu diesem Zeitpunkt genießt Yves Klein bereits internationales Renommee. Im Laufe des Jahres 1957 entwickelte er zusammen mit Edouard Adam die Farbe, die er IKB (Internationales Klein-Blau) nannte und die typisch für die Werke seiner "Epoque bleue" war und die bis zum Schluss sein Markenzeichen bleiben sollte.
Mit seinen blauen Werken suchte Klein nach einer reineren Art der Malerei und versuchte, über eine einheitliche Definition von Kunst hinauszugehen. Sein Wunsch, die Leere einzufangen, hatte gewisse avantgardistische Elemente, die dem Anlass zweifellos eine absurde Note verleihen sollten. Hinter diesen Aspekten verbarg sich jedoch eine zutiefst ernsthafte Überlegung. Yves Klein verbrachte den größten Teil seiner Karriere mit der Suche nach einem ästhetischen Ausdruck für die Leere". Er setzt sich mit dem Konzept der "Gesamtheit der Dinge" auseinander, die durch ihre Weite leer wird, ähnlich wie der Himmel oder das Meer.
1958 sorgte Klein in der Pariser Galerie Iris Clert für einen Skandal, als er 3.000 Personen zu einer Privatausstellung einlud, in der er in einem ansonsten leeren, ganz weißen Raum nichts als einen leeren Schrank zeigte. Als Teil der Ausstellung wurde den Besuchern ein blauer Luftballon zum Mitnehmen und ein blauer Cocktail zum Trinken angeboten. Er nannte die Ausstellung "Die Spezialisierung der rohen Sensibilität in eine stabilisierte bildliche Sensibilität (genannt "Void")".
Etwa zwölf Jahre nach ihrer Entstehung, am 9. März 1960, wurde seine seltsame konzeptuelle Symphonie vor etwa hundert Zuschauern aufgeführt. Ein kleines Orchester und ein Chor führten die Monotone Symphonie auf: ein hoher, kontinuierlicher Klang, der plötzlich in völlige Stille überging. Begleitet wurde die Audio-Performance von drei nackten Models, die auf die Bühne kletterten und ihre Körper mit blauer Farbe bedeckten, bevor sie sich auf ein großes Blatt Transparentpapier legten, das auf dem Boden lag. Klein selbst wanderte am Rande des Raumes umher, teils als Regisseur, teils als Zeremonienmeister. Diese Methode, bei der der Künstler seine Beziehung zu den Modellen, die zu "lebenden Pinseln" wurden, veränderte, wandte Klein auch in seiner Serie Anthropometries an.
Nachdem er die "konzeptuelle Leere" in seinen blauen Gemälden und die "buchstäbliche Leere" in seiner Ausstellung in der Galerie Iris Clert zum Ausdruck gebracht hatte, sprang Klein 1960 vom Sims eines Gebäudes in einem ruhigen Pariser Vorort. Er nannte diesen Akt "Sprung in die Leere". Dieses Bild, das von dem Fotografen-Duo Harry Shunk und János Kender aufgenommen wurde, ist trotz unserer heutigen Vertrautheit mit der Fotobearbeitung immer noch beeindruckend. (In Wirklichkeit wurde Yves in der Mitte des Sturzes von einer ausgebreiteten Decke aufgefangen, die von Freunden an jeder Ecke festgehalten wurde).
Im März 1961 besuchte Yves Klein New York und wohnte mit seiner zukünftigen Frau Rotraut Uecker im Chelsea Hotel, wo er viele der wichtigsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen Kunst traf, darunter Duchamp, Johns, Kline, de Kooning, Newman und Rothko. Während seines Aufenthalts im Chelsea Hotel verfasste er das Chelsea Hotel Manifesto, in dem er die Bedeutung seiner neuesten Arbeitsmethode erläuterte, die darin bestand, mit Gasflammenwerfern direkt auf die Leinwand zu malen:
"[...] Es ist mir gelungen, mit dem Feuer zu malen, indem ich sehr starke und brennende Gasflammen, etwa drei bis vier Meter hoch, benutzte, um die Oberfläche eines Gemäldes anzulecken, um den spontanen Abdruck des Feuers festzuhalten.
[...] Kurz gesagt, mein Ziel ist ein zweifaches: erstens, die Spur der menschlichen Sentimentalität in der heutigen Zivilisation festzuhalten; zweitens, die Spur des Feuers festzuhalten, das dieselbe Zivilisation hervorgebracht hat. Denn die Leere war schon immer mein ständiges Anliegen, und ich behaupte, dass im Herzen der Leere ebenso wie im Herzen des Menschen das Feuer brennt".
Diese späteren Werke zeugen von einer neuen Richtung in Kleins Karriere, auch wenn er sich nie ganz darauf einlassen würde. Das Ende von Kleins Karriere kam plötzlich und tragisch. 1962 erlitt er während des Filmfestivals in Cannes einen Herzinfarkt, als der umstrittene Dokumentarfilm Mondo Cane ausgestrahlt wurde, in dem Klein auftrat und sein Werk lächerlich gemacht wurde. Im Juni desselben Jahres, drei Wochen später, erlitt er einen weiteren Herzinfarkt, an dem er diesmal im Alter von 34 Jahren starb.
]]>Kurz nach seinem Studienabschluss begann Damien Hirst in seinem Atelier in Brixton an einer Reihe von Werken zu arbeiten, die von den Fliegen inspiriert waren, die an seinen frisch lackierten Leinwänden klebten. Mit der Idee, etwas Schönes zu schaffen, tauschte Hirst die Fliegen gegen Schmetterlinge aus, wobei letztere auf leuchtend farbigen, monochromen Tafeln mit glänzender Oberfläche befestigt wurden. Dies war der Grundgedanke für In and Out of Love, seine erste Einzelausstellung in der Londoner Woodstock Street Gallery. Man schrieb das Jahr 1991 und Damien Hirst stand kurz vor einer kometenhaften Karriere.
Die Ausstellung war in zwei Teile gegliedert, die jeweils den beiden Etagen der Galerie entsprachen. Der Eingangsbereich, In and Out of Love (White Paintings and Live Butterflies), war besonders feucht. An den Wänden hingen leere Leinwände, an denen mehrere Schmetterlingskokons befestigt waren, die kurz vor dem Schlüpfen standen. In der Mitte des Raumes fand der Besucher einen Tisch mit vier Schalen, die Zuckerwasser enthielten. Sobald die Schmetterlinge geboren waren, flogen und fraßen sie frei im Raum, bis sie, angelockt von den strategisch unter den Leinwänden platzierten Pflanzen, von der Grundierung gefangen wurden und an derselben Stelle, an der sie geboren wurden, starben. Im Untergeschoss, In and Out of Love (Butterfly Paintings and Ashtrays), zeigte die Ausstellung acht monochromatische, leuchtend farbige Leinwände mit toten Schmetterlingen, die auf einer glänzenden Oberfläche klebten.
In einem Interview erklärte Damien Hirst den Inhalt seiner Ausstellung und sprach von beiden Räumen: "Der eine hat eine romantische Seite, der andere verweist auf die harte Realität. Ich bin mir nicht sicher, was was ist".
Obwohl dies das erste Mal war, dass die Öffentlichkeit die Schmetterlingsfigur als Kernstück von Damien Hirsts Werk sehen konnte, wird es sicher nicht das letzte Mal gewesen sein. Laut Hirst dreht sich alles um Liebe, Träume, Ideale, Symbolismus, Realismus, Leben und Tod. In Hirsts Werken hat der Schmetterling seinen eigenen Diskurs, voller Widersprüche und Unsicherheit.
Der Schmetterling wirft für Damien Hirst viele Fragen auf. Das reale Bild eines Schmetterlings unterscheidet sich beispielsweise stark von dem idealisierten Bild, das wir aus unserer Kindheit von ihm haben, so dass sein Symbol isoliert existiert, als hätte es keinen direkten Bezug zu dem Insekt, das es darstellt. Andererseits schafft die Schönheit der Schmetterlinge, die auch nach ihrem Tod makellos bleibt, einen eigenen Diskurs, der unsere Vorstellung von Leben und Tod in Frage stellt. Darüber hinaus spielt der Künstler mit der Idee einer einzigartigen Natur, denn kein Schmetterling gleicht dem anderen, so wie auch kein Mensch dem anderen gleicht.
All diese Merkmale sind Teil der zentralen Achse seines Werks. Die wichtigste und diejenige, die die anderen umfasst, ist die Serie "Kaleidoskop", mit der der Künstler 2001 begann und von der er immer noch Werke produziert. Die verschiedenen Werkserien, aus denen sich Kaleidoscope zusammensetzt, haben diese Symbolik, die durch die Anordnung der Schmetterlingsflügel, das verwendete Farbmuster und den Titel des jeweiligen Werks noch verstärkt wird.
2008 schuf Damien Hirst 150 Werke einer Serie mit dem Titel "Psalms", in der jedes Gemälde den Titel eines Psalms aus dem Alten Testament trägt. Die mit Schmetterlingsflügeln und Haushaltsfarben gefertigten Werke spielen auf die christliche Spiritualität und Ikonografie an, indem sie ähnliche Muster wie in Kirchenfenstern zeigen - eine Idee, die er bereits ein Jahr zuvor in seiner berühmten Serie von Siebdrucken in limitierter Auflage "Cathedrals" aufgegriffen hatte.
Auch 2015 wandte sich der Künstler der Figur des Schmetterlings zu, um eine Reihe von Werken zu schaffen, die nichts mit der Symmetrie und den komplizierten kaleidoskopischen Mustern seiner früheren Serien zu tun haben. Es handelt sich um "The Wonder of You", eine Serie, die aus sechs limitierten Drucken besteht, deren Titel auf die Empfindungen anspielen, die sich in Erinnerungen verwandeln, die bleiben, wenn die Person nicht mehr da ist. "Your Feel", "Your Smell" und "Your Touch" sind einige der suggestiven Titel. In dieser Serie greift Hirst seine ursprüngliche Idee auf und zeigt hyperrealistische Schmetterlinge auf bunten monochromen Hintergründen.
"Mandalas" (2018-1019) wäre die nächste große Serie, deren Hauptmotiv der Schmetterling ist. Dabei handelt es sich um eine Serie großformatiger Werke, in denen Damien Hirst verschlungene konzentrische Muster aus Hunderten von Schmetterlingsflügeln kreiert. Im Gegensatz zu seinen früheren kaleidoskopischen Serien beziehen sich die Mandalas auf östliche Kulturen und konzentrieren sich auf Konzepte, die in hinduistischen, buddhistischen, jainistischen oder shintoistischen Traditionen verbreitet sind.
In seinen jüngsten Serien "Elements" und "Empresses" setzt Hirst den Schmetterling weiterhin zur Betonung und Dramatisierung des Werks ein. Im Fall von "Elements" spielt der Künstler mit Farben, um Luft, Feuer, Erde und Wasser darzustellen, und beschwört durch die Schmetterlinge die uralte Spiritualität der Elemente herauf, indem er auf Ordnung und Chaos und die Art und Weise verweist, wie sie die Waage im Gleichgewicht halten und eine Harmonie schaffen, die seit Hunderten von Jahren der Grundstein für Philosophie, Wissenschaft und Medizin ist.
Die "Empresses" ist die bisher letzte Serie, die der Künstler geschaffen hat und in der er sich erneut auf seine geliebten Schmetterlinge bezieht. Mit den fünf Werken, aus denen die Serie besteht, würdigt der Künstler fünf große Frauen der Geschichte. Sie alle haben nur zwei Farben: Schwarz und Rot, Farben, die an den Tod, aber auch an Liebe, Königtum, Eleganz, Macht, Leidenschaft und Weiblichkeit erinnern. In diesem Zusammenhang hat der Schmetterling eine besondere Bedeutung, wenn wir Begriffe wie Schönheit, Leiden, Zerbrechlichkeit oder Beständigkeit beachten. Alle Werke der Serie finden Sie in unserer Galerie hier.
]]>Nun, heutzutage haben wir viele Künstler vor Augen, die über die "konventionelle" Kunst hinausgehen und mit ihren eigenen Ideen und Stilen die Grundlage für neue künstlerische Bewegungen definieren. Im Folgenden geben wir sieben Gründe an, an urbane Kunst zu glauben.
1. Weil die Straße ein Museum ist
Da sich Banksy von einem unbekannten, vom Gesetz verfolgten Graffiti-Künstler zu einem der gefragtesten Künstler großer Sammler entwickelt hat, geht es in der urbanen Kunst nicht mehr um zwei Kinder, die ein paar Spraydosen auf der Straße malen. Jetzt sind sie genau zu sehen. Jeder Straßenkünstler hat seinen eigenen Stil und seine eigene Bedeutung. Heute haben wir in einigen Städten jedes Mal, wenn wir unser Zuhause verlassen, ein großartiges Museum vor Augen. Das Internet ist voll von Bildern verlassener Mauern mit ausgearbeiteten Arbeiten, die offen gezeigt werden. Es ist möglich, dass diese Wände verschwinden, wenn einige dieser Künstler eine größere Anerkennung erlangen, und in einem Herrenhaus von jemandem enden, der Hunderttausende von Dollar für seinen eigenen privaten Vorteil bezahlt hat. Natürlich könnte nichts weiter von der Absicht des Künstlers entfernt sein.
2. Weil wir die Botschaft verstehen
Die meisten städtischen Künstler sind junge Menschen, die besorgt sind und Zugang zu neuen Technologien haben. Sie wissen, was auf der Welt passiert. In der globalisierten Welt, in der wir leben, ist es beispielsweise sehr einfach, die Situation weniger glücklicher Länder zu kennen, und wir sind stärker davon betroffen, weil wir die Ungerechtigkeit mit nur einem Klick sehen. Der Konsumismus in westlichen Ländern wächst stetig, vielleicht weil wir Werbung über ein breiteres Spektrum von Medien erhalten, die in vielen Fällen absurde Bedürfnisse schaffen.
3. Weil es uns zum Nachdenken bringt
Jedes Werk ist das Bild eines Gedankens, einer Meinung, einer Reflexion oder eines Kritikers des Künstlers. Ein Gemälde an einer Wand dient nicht nur dazu, eine Signatur und ihren Stil zu dekorieren oder zu verbreiten. Wenn wir auf das achten, was wir sehen, werden wir feststellen, dass das Bild auch etwas überträgt, das uns zum Nachdenken anregt. Normalerweise nutzen diese Künstler ihren Einfallsreichtum, um zu uns zu gelangen und uns dazu zu bringen, über ihre Botschaft nachzudenken. Ob es darum geht, uns ein Lächeln abzunehmen, uns mit Brutalität zu entsetzen oder uns mit einem wirklich schönen Design zu erfreuen, sie versuchen uns zu überraschen und auf diese Weise nehmen wir uns etwas Zeit und reflektieren ihre Arbeit innerlich, ohne es zu merken.
4. Weil es für viele erreichbar ist
Künstler wie Banksy oder Kaws sind bereits so bekannt, dass ihre Originalarbeit unweigerlich sehr geschätzt wurde. Andere, wie Martin Whatson oder Pure Evil, setzen allmählich einen Trend, und es ist davon auszugehen, dass ihr Wert in naher Zukunft steigen wird. Das Gute ist, dass diese Künstler, als wären sie die neuen Warhols, der Meinung sind, dass ihre Arbeit jedem gehören sollte, der sie will, ohne einen beträchtlichen Betrag auszahlen zu müssen. Aus diesem Grund haben alle diese Künstler neben ihren Originalwerken einen breiten Markt für Drucke, auf dem wir zahlreiche Techniken wie Siebdrucke, Lithografien oder Gliclées limitierter Auflagen finden, die sie selbst signieren und nummerieren, damit ein größeres Publikum Zugang hat zu ihrer Arbeit.
5. Weil es mit Techniken keine Grenzen gibt
Künstler wie Mr. Brainwash oder Lora Zombie haben keine akademischen Studien, aber sie haben aus ihrem Talent einen eigenen Stil entwickelt, der sie einzigartig macht. Ob Aquarell, Collage oder Mischtechnik, viele dieser Künstler haben ein bestimmtes Label erstellt, das sie von anderen unterscheidet. Zum Beispiel erstellt Roamcouch seine eigenen Stencils von Hand, und wenn es unglaublich erscheint, können seine realistischen Stadtlandschaften bis zu 50 Schichten von Hand gezeichnet und von Hand geschnitten aufnehmen.
Bei grafischen Arbeiten ist es durchaus üblich, Siebdrucke von Hand mit Sprühfarbe oder Materialschichten zu bearbeiten, die im traditionellen Druck ungewöhnlich sind.
6. Weil es eine Investition ist
Unnötig zu erwähnen, dass urbane Kunst, obwohl sie sich seit mehr als einem Jahrzehnt als künstlerische Bewegung zusammenbraut, heutzutage einen relevanten Einfluss hat. Es ist davon auszugehen, dass all diese jungen Künstler mit einer kurzen, aber vielversprechenden Karriere in Zukunft sehr geschätzt werden.
7. Weil es hilft, eine bessere Gesellschaft zu schaffen
Viele Künstler nutzen ihren anerkannten Status, der durch ihre eigenen Verdienste erreicht wird, um Ungerechtigkeit anzuprangern und eine bessere Welt zu schaffen. Als Beispiel nimmt Shepard Fairey (OBEY) seine Botschaft darüber hinaus und erarbeitet zusammen mit seinen Werken eine Art Manifest, das unsere Augen für die von uns allen bekannte Realität öffnen und ein Gefühl des Engagements wecken soll. Darüber hinaus legt er mit dem Verkauf seiner Werke einen Teil des gesammelten Geldes beiseite und spendet es an soziale Wohlfahrten. Banksy, charakteristisch für seine satirische und scharfe Botschaft der Sozialkritik, arbeitet auch mit gemeinnützigen Projekten zusammen, um Hilfe für Bedürftige zu suchen.
]]>In den frühen 90ern und nachdem Murakami die zeitgenössische japanische Kunst geleugnet hat, indem er sie für langweilig und snob hält, interessiert er sich für die japanische Massenkultur und speziell für die Otaku-Subkultur. In dieser "unterirdischen" Kultur finden wir künstlerische Ausdrucksformen wie Manga oder Anime. Wenn wir einen Dialog zwischen Populärkultur und bildender Kunst betrachten, ist die Beziehung zwischen Murakami und Andy Warhol unbestreitbar. Deshalb prägt der Kunstkritiker Noi Sawaragi 1992 den Begriff japanischer Neo Pop.
Während dieses Jahrzehnts wird Murakami die zeitgenössische Massenkultur erforschen, um eine kontextbezogene Referenz zu etablieren, aus der er seine Produktion konzipieren kann. So entsteht das Superflat-Konzept, durch das Murakami den Weg findet, Kunst und traditionelle japanische Kultur mit Massenkultur zu vereinen und das Identitätsproblem des heutigen zeitgenössischen Japan zu lösen.
Um das Superflat-Konzept zu verstehen, muss man sich mit einer doppelten Reflexion befassen, die Murakami unternimmt, um das Grundwissen traditioneller Kunst und Kultur zu retten und sie in einer zeitgenössischen Szene neu zu definieren. Er tut es auf der einen Seite, indem er den ästhetischen Aspekt und auf der anderen Seite den diskursiven Aspekt definiert.
Laut Murakami war dieses Konzept in ästhetischer Hinsicht in der gesamten japanischen Kunstgeschichte immer präsent. Der japanische Kunsthistoriker Nobuo Tsuji spricht in seinem Buch "The linage of exzentricity" (1970) über eine Reihe von Künstlern mit expressionistischen Trends, die zur Edo-Zeit (1625 - 1868) gehören, und über Schöpfer von exzentrische expressionistische Bilder, aus denen Murakami selbst an ein ästhetisches Erbe erinnert, das zeitgenössischen visuellen Ausdrucksformen wie Manga Raum gibt.
Dieses ästhetische Erbe basiert auf einer bildlichen Komposition, bei der die Zweidimensionalität der Elemente durch das Fehlen von Licht und Schatten und die vielfältige Sichtweise hervorsticht, so dass alle Elemente des Kunstwerks die gleiche Bedeutung haben. Durch die Vermeidung eines einzelnen Gesichtspunkts wird der Betrachter gezwungen, Zickzack durch eine horizontale Achse zu ziehen, und Murakami beabsichtigt daher, die Informationen über sein Kunstwerk Schicht für Schicht zu empfangen. Nach einer visuellen Tour schmelzen alle diese Schichten in einer einzigen Superflat Bild. Auf diese Weise etabliert Murakami einen neuen Trend, der von Karikaturisten, Designern und Künstlern mit Nachkriegsherkunft geprägt wurde und dessen Vorfahren in Edos exzentrischsten Künstlern zu finden sind.
Obwohl das Superflat-Konzept auf einem ästhetischen Gebiet formuliert ist, wird es auch auf andere Szenarien wie soziale, kulturelle oder historische projiziert. Laut Takashi Murakami müssen wir Superflat als einen Weg verstehen, die traditionelle japanische Identität von der Moderne zu definieren. Es ist ein Begriff, von dem aus wir über Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sprechen und sie verbinden können, um Japans historischem Bericht Einheit zu verleihen.
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]]>Diejenigen, die bereits mit der Kunst von Takashi Murakami vertraut sind, wissen vielleicht, dass Kaikai & Kiki der Name des Ateliers dieses Künstlers ist. Darin schafft Murakami seine Werke und fördert viele andere Künstler.
Aber Kaikai und Kiki sind weit mehr als nur eine Marke. Diese beiden Charaktere, die normalerweise zusammen gezeigt werden, wurden fast zufällig geschaffen und sind heutzutage zwei der größten Ikonen dieses japanischen Künstlers. Die große Frage ist: Wer ist Kaikai und wer ist Kiki? Nun, Kaikai ist vermutlich ein Kind in einem weißen Kaninchenkostüm. Kiki hat ein rosa Outfit, drei Augen und ein paar Reißzähne. Die Wahrheit ist, wenn Sie Japanisch lesen können, ist es ziemlich klar, da jeder seinen Namen auf die Ohren geschrieben hat!
Der Name dieser beiden Charaktere hat einen einzigartigen Ursprung, das Werk "Kaikaikiki". Dieser Begriff wurde im späten 16. Jahrhundert verwendet, um die Werke des japanischen Künstlers Kano Eitoku zu beschreiben, von denen gesagt wurde, dass seine Gemälde sehr kraftvoll und gleichzeitig sensibel seien. In dem von Skira Rizzoli verfassten Buch "Murakami Ego" können zwei verschiedene Bedeutungen für diesen Ausdruck gelesen werden, die sowohl in der chinesischen als auch in der japanischen Sprache zu finden sind. Im Japanischen "Kaikaikiki" in einem Adjektiv, das etwas Störendes, Seltsames beschreibt und Angst und Unsicherheit verursachen kann. Wenn jedoch "Kaikaikiki" auf Chinesisch verwendet wird, soll dies den Mut, die Kraft und die extreme Sensibilität des Themas hervorheben.
Die Wahrheit ist, dass der Hauptgrund für Takashi Murakami, diese Namen den beiden Kreaturen zu geben, war, dass es einfach gut klingt. Wir verstehen jedoch, dass sie eine nicht so beiläufige Symbolik haben.
Kaikai sind normalerweise zusammen, weil sie sich ergänzen. Genau wie Jekyll und Hyde, Ying und Yang oder das Alpha und das Omega werden diese beiden Zeichen häufig auf eine bestimmte Weise angezeigt: Kaikai befindet sich links und mit geschlossenem Mund. Ansonsten ist Kiki auf der rechten Seite seines Kumpels und hat den Mund offen. Dann fühlen wir uns dem Shintoismus ein bisschen näher.
Wie wir bereits gesagt haben, nimmt Takashi Murakami ständig Bezug auf seine Kultur und verwendet dafür viele Charaktere und Kreaturen wie Kaikai und Kiki. In Shinto-Schreinen (Shinto ist in Japan die autochthone Religion) finden sich häufig zwei Figuren mit einer Löwenhundeform, die ihren Eingang schützen und Komainu genannt werden. Diese Komainu-Kreaturen stehen in direktem Zusammenhang mit den Karajishi-Löwen chinesischen Ursprungs, die wir vor den buddhistischen Tempeln finden und über die wir bereits in unserem Beitrag "Takashi Murakami: Die Legende des Karaishi" gesprochen haben. Diese Komainu gehen immer paarweise und einer hat den Mund offen, als Hinweis auf den ersten Buchstaben des japanischen Alphabets "ah" und der andere hat den Mund geschlossen, als würde er den letzten Buchstaben "un" aussprechen. Diese Klänge repräsentieren den Anfang und das Ende von Schöpfung, Leben und Tod, Themen, die auch in den Werken des Künstlers wiederkehren.
Heutzutage sind Kaikai und Kiki Takashi Murakamis eigene Kunstgötter und er verfolgt durch sie eine ständige Suche nach Schönheit. Kaikai und Kiki, die nicht immer die oben genannten religiösen und kulturellen Konnotationen haben, erhalten unterschiedliche Rollen, die das Publikum näher an den Künstler bringen. Kaikai ist süß und unschuldig; Inzwischen ist Kiki wild und ungezogen. Es ist sinnvoll zu glauben, dass diese beiden Kreaturen in vielen seiner Werke Murakamis Gewissen repräsentieren. Vor diesem Hintergrund sollten wir in jedem Bild, das sie zeigen, besonders auf ihre Haltung, Entsorgung und Anzahl achten. Wie wir noch einmal sehen können, haben Takashi Murakamis Charaktere eine Bedeutung, die weit über das hinausgeht, was auf den ersten Blick erkannt werden kann.
Schauen Sie sich "Takashi Murakamis Universum (Teil 1)" an, falls Sie es noch nicht getan haben!
]]>In jedem Werk von Murakami finden wir auf den ersten Blick ein Bild, das zu seiner Schönheit steht, farbenfroh ist und Spaß macht. Mangelndes Wissen, wie es häufig bei Kunst der Fall ist, macht es leicht, die Werke dieser japanischen Künstler als einfach, naiv oder sogar frivol zu kennzeichnen. Nichts weiter von der Wahrheit entfernt. Wenn wir tief in diese von Murakami geschaffene Welt eintauchen, finden wir mehrere Symbolismen, die ihre Komplexität überwältigen. Um ehrlich zu sein, ist es möglich, dass jedes von Takashi Murakami geschaffene Kunstwerk so viel theoretische Komplexität verkörpert wie sein kreativer Prozess. Aber wir werden ein anderes Mal darüber sprechen.
Wenn der Betrachter mehr über die Arbeit dieses Künstlers weiß, kann er nur über den kulturellen Hintergrund, den er besitzt, staunen. Takashi Murakami ist nicht nur ein großer Künstler, sondern auch ein großer Kenner seiner eigenen Kultur, seiner Geschichte und ein großartiges Studium vieler Themen wie Malerei oder Religionsgeschichte. Wenn wir dieser so gepflegten Basis eine große Neugier des Künstlers für die heutige Gesellschaft hinzufügen, stoßen wir auf die berühmte "superflat
Es wird gesagt, dass Mr. DOB Takashi Murakamis Alter Ego ist. Seine Figur wurde in vielen seiner Werke wiederholt und in ihnen mit verschiedenen Formen und Zahlen gezeigt. Mr. DOB kann in einigen Werken das unschuldigste und kindischste Aussehen haben, in anderen kann es als deformiertes, schäbiges und böses Wesen angesehen werden. Die Zahl und ihre Metamorphose sind Teil dieser intellektuellen Show, die Takashi Murakami für uns vorbereitet hat.
Aber was bedeutet Mr. DOB? Nun, eine gute Übersetzung könnte "Mr. Fragen". DOB ist die Abkürzung für "Dobojite, Dobojite", eine von Murakami geschaffene Dada-Phrase, die im japanischen Slang "warum?, Warum?" Bedeutet. Dies ist das Schlüsselkonzept von Mr. DOB, einem Wesen, das seine Umgebung ständig in Frage stellt.
Mr. DOB ist aber auch eine Sammlung strategisch gestalteter Ideen und Bilder, die auf den ersten Blick unbemerkt verschwinden können. Die westliche Kultur hat dank dieser riesigen Ohren wie der von Mickey Mouse eine ziemlich große Relevanz, und ihre roten, weißen und blauen Farben verweisen auf die Flagge der Vereinigten Staaten. Ein paar große Augen, wie sie in der japanischen Illustration häufig zu sehen sind, vervollständigen diesen Charakter, der die Vereinigten Staaten mit Japan verbindet. Mr. DOB ist ein Konzept, das den amerikanischen Einfluss auf das japanische Image und Design darstellt, das nach dem Zweiten Weltkrieg entstanden ist. In diesem Moment nimmt die amerikanische Animation Japan auf und diese bauen es wieder auf, um ihre eigene Identität zu schaffen, was wir heute als "Anime" kennen.
Eine interessante Arbeit, über die man sprechen kann, kann etwas Licht in das bringen, was zuvor gesagt wurde, ist die 727-Serie. Darin wird Mr. DOB als bedrohliche Kreatur auf einem Hintergrund im Nihonga-Stil (traditionelle japanische Malerei) gezeigt. Diese Arbeit repräsentiert Murakamis Angst und skeptische Meinung zum Kolonialismus und zu übermäßigem Einfluss, der die japanische Kultur der Vorfahren schädigen könnte. Der Kontrast zwischen der Tiefe und Komplexität des Nihonga-Stils steht im Gegensatz zu der Einfachheit und den flachen Farben dieses "Superflats". Machen Sie nichts anderes, als um die bestehende Gegenüberstellung des Oberflächlichen und Banalen des heutigen Konsums mit den vielfältigen Schichten eines kulturellen Hintergrunds zu betonen, der reich an Texturen und Tönen ist.
Mr. DOB hat seine endgültige Transformation im Chaos, einem mutierten Wesen, das zu einer Dramaturgie gehört, in der der letzte Zweck der Existenz Zerstörung und Unordnung ist. Takashi Murakami, geboren 1962, wuchs zu einer Zeit auf, als das japanische Fernsehen von Science-Fiction-Shows gespeist wurde, die Tokio immer wieder zerstörten, und von Städten voller Monster und Wesen, die den Planeten beherrschten und Terror verbreiteten. Es war, als würde die japanische Gesellschaft das Chaos nach dem Zweiten Weltkrieg ständig wiederholen, als wollten sie das Publikum in eine ähnliche Situation bringen. Für Murakami hat dieser Wunsch, zu zerstören und zerstört zu werden, seine Repräsentation im Chaos.
Kurz gesagt, Mr. DOB ist eine Ressource, die der Künstler mehrmals verwendet und die je nach Kontext unterschiedliche Bedeutungen hat. Wir wissen jedoch mit Sicherheit, dass wir Takashi Murakami dank dieses großohrigen Charakters ein bisschen besser kennenlernen können. Wir müssen nur genauer hinschauen, über sein eigenes Image hinaus.
Möchten Sie mehr wissen? Auschecken TAKASHI MURAKAMIS UNIVERSUM (Teil 2)
]]>Seine Arbeit zeichnet sich durch eine Qualität und Komplexität aus, die an das Unglaubliche grenzt, und der Künstler kann für einige seiner Arbeiten bis zu einem Jahr ausgeben. Laut Roamcouch definiert er sich als Künstler, der zu dieser Bewegung gehört, obwohl die urbane Kunst im Westen geboren wurde und es daher üblicher ist, Künstler dieses Trends in Ländern wie den Vereinigten Staaten, Großbritannien und Frankreich zu finden. Dennoch gibt er zu, eine seiner Herkunft innewohnende Wahrnehmung von Kunst zu haben und ist somit in der Lage, urbane Kunst aus einer anderen Perspektive zu behandeln.
Um seine Arbeit zu erstellen, wählt der Künstler eine Palette mit bis zu 50 Farben aus und erstellt für jede Farbe eine Ebene, die mit einem Cutter von Hand geschnitten wird. Die Überlappung der von den Vorlagen erzeugten Bilder schafft die Arbeit.
Roamcouch repräsentiert wahrscheinlich keine komplexen Ideen, da er, wie er selbst zugibt, nicht interessiert ist. Aufgrund seiner persönlichen Umstände hatte er einen besonderen Standpunkt zur bildenden Kunst; Roamcouch sucht nach Schönheit in den Bildern, die er darstellt, genauso wie er es mit den Erfahrungen macht, die das Leben bietet. Seine Arbeiten zeigen Wahrzeichen von Großstädten wie London, Paris oder New York, und so nimmt der Künstler die westliche Kultur auf.
Seine jüngste Einzelausstellung mit dem Titel "A beautiful life" in der UTBNY-Galerie im südlichen New Yorker Stadtteil Williamsburg ist sicherlich eine Würdigung der positiven Dinge im Leben und laut dem Künstler auch eine danke an seine Öffentlichkeit. Roamcouch ist in sozialen Netzwerken sehr präsent und in ihnen hat der Künstler Tausende von Fans, die seine Kunst und seine Arbeit bewundern.
Roamcouch often records “making off" videos of his canvases in which we can clearly see the intricate work involved preparing each. It is worth watching the videos below. In the first one, we can see how the artist works in one of his templates. In the second video the creative process of the canvas Rainbow Inc/Brooklyn Bridge is shown. In Roamcouch's YouTube channel you can find many more.
]]>1949 zog Warhol nach New York, wo er als Illustrator und Publizist arbeitete. Seine Entwürfe bildeten einen Ausgangspunkt, um einen bestimmten Stil zu schaffen, der direkt mit der Konzeption einer neuen Bewegung, der Pop-Art, verbunden ist. Seit seinen frühen Karrierejahren zeigte Warhol eine große Bewunderung für die Filmstars.
Sehr bald erkannte er sein großes Verständnis für die Verehrung von Stars und schaffte es durch sein Verhalten in den von ihm frequentierten sozialen Kreisen, einem schüchternen Mann, dessen Auftreten und Einführung in die Öffentlichkeit schnell mit der Popbewegung in Verbindung gebracht wurde.
Viele waren die Prominenten, die Warhols Aufmerksamkeit auf sich zogen, aber ohne Zweifel war Marilyn Monroe die relevanteste und in seiner Arbeit festgehaltene. Sie wurde vom Künstler als sein Vorbild ausgewählt, als sie verstorben war, und trug so dazu bei, dass ihr posthumer Ruhm größer wurde als im Leben und ein Mythos für immer entstand.
Es ist unbestreitbar, dass die Schauspielerin sexuell attraktiv ist, und es war sicher einer der Aspekte, die Andy Warhols Aufmerksamkeit erregt haben. Aber vielleicht war das letzte Element die Legende um sie herum. Die angebliche körperliche Misshandlung der Schauspielerin in ihrer Kindheit, die zu ihrem vorzeitigen und unerwarteten Tod im Alter von 36 Jahren beitrug, hat möglicherweise ein besonderes Interesse an der Künstlerin geweckt, Norma Jean, alias Marilyn Monroe, zu verewigen und zu mythologisieren.
Andere Warhol-Idole, die ebenfalls in seinen Werken festgehalten wurden, wie Elvis Presley oder Elisabeth Taylor, waren ebenfalls in eine Aura der Tragödie verwickelt. Presley, ein Lastwagenfahrer, der zum Idol einer Generation sang, litt häufig unter Depressionen, oder Liz Taylor, von einem verwöhnten Kind zu einer der bestbezahlten Schauspielerinnen ihrer Zeit, hatte ihr ganzes Leben lang ernsthafte gesundheitliche Probleme. Sogar Marlyn Monroe selbst wollte unbedingt mit dem Stereotyp des Sexsymbols, das sie war, Schluss machen und bat um Rollen, in denen sie ihren Wert als Schauspielerin zeigen konnte, die ihr aufgrund ihres Aussehens nie gegeben wurden.
Andy Warhol, Opfer einer schwierigen, von Krankheit geprägten Kindheit, fühlte sich wahrscheinlich mit diesen Prominenten identifiziert, die in den 60er Jahren eine Hauptrolle in seinen Kreationen spielten.
]]>Ihre Serie "Super Hero Cages" hat Sandra Chevrier zur Elite der heutigen Trends gemacht. Sie ist dabei. Und die Sache ist, dass Sandra weiß, wie man die Ästhetik der weiblichen Schönheit perfekt mit der Superhelden-Comic-Welt kombiniert, wie es niemand tut. Die Werke, die zu dieser Serie gehören, sind von unbestreitbarer Schönheit, sie sind edel und sie senden eine Nachricht. Wir können mehrere Kreationen dieser Künstlerin in vielen Medien finden, da sie ihre Werke mit gemischten Medien sowie in limitierter Auflage in Giclées und Siebdrucken entwickelt hat.
Alle "Les cages" -Werke zeigen uns schöne Frauen, die in Comic-Cartoons von Batman, Superman, Green Lantern ... eingewickelt sind, und die Botschaft scheint klar zu sein: Angesichts der ästhetischen Anforderungen, die heute an Frauen gestellt werden, scheint es notwendig, Wunder zu tun, um sich anzupassen die Schönheitsstandards unserer Gesellschaft und Superkräfte zu haben, um diese Erwartungen zu erreichen.
Aber wenn wir etwas weiter schauen, sehen wir, dass der Künstler nicht nur das vermitteln möchte. Synonyme für Käfige könnten Gefängnis, Kiste, Gehege sein. Diese Frauen sind hinter den Gittern eingesperrt, in denen wir alle gefangen sein können, Männer und Frauen, und das sind die Gitter unserer eigenen Selbstforderungen; Unsere eigenen Komplexe können uns auf einen Punkt beschränken, an dem wir die angestrebten Träume nicht mehr erfüllen. Wir alle haben eine innere Schönheit, die hinter den Türen unserer eigenen Gefühle eingeschlossen werden kann.
Trotz des Themas ihrer Arbeit, das viele als feministisch bezeichnet haben, ist dies nicht die Rede, die Sandra Chevrier halten möchte. Botschaft ist universell; es ist nur so, dass sie sich wohler fühlt, wenn sie ihre Emotionen durch die weibliche Figur, durch den Ausdruck ihrer Augen, die Sinnlichkeit ihrer Lippen oder die zarte Berührung ihrer Hände ausdrückt. Männer haben die gleichen Grenzen und Grenzen wie Frauen und die Tatsache, dass sie Frauen in ihren Werken lieber präsentiert, ist nichts anderes als Übung, Instinkt, sie ist einfach besser darin, weibliche Körper darzustellen.
Es ist interessant, auch das Konzept zu kennen, das Sandra Chevrier über Ästhetik hat. Sehr jung wusste er, dass er in der Lage war, schöne Bilder zu erstellen. Sie ist sich bewusst, dass die Schönheit der Bilder, die sie erstellt, das erste ist, was den Betrachter einfängt. Wie im Alltag konzentrieren wir uns alle zuerst darauf, was uns anzieht, was wir mögen. Dort benutzt sie ihren "Haken", um uns zu fangen, aber wenn der Rest der Arbeit nicht zählt und nicht überträgt, würde die Arbeit in Vergessenheit geraten und keinen Unterschied machen.
Die Arbeit dieses Künstlers ist tief, spirituell, voller Emotionen. In der Serie "Drames en couleur" vor "Les cages" vertrat Sandra religiöse Elemente wie Buddhas, Totems oder Göttinnen sowie architektonische Elemente oder Objekte der modernen Gesellschaft und wilde Tiere. Die lebendigen Farben dieser Werke ziehen erneut unsere Aufmerksamkeit auf sich, um uns zu einer inneren persönlichen Reflexion zu führen. Das ästhetische Gleichgewicht zwischen diesen Elementen lädt uns ein, darüber zu meditieren, wie neue Technologien und der alltägliche Konsumismus uns beeinflussen und wie sie manchmal unseren kulturellen Werten, die ikonografisch durch theologische Elemente dargestellt werden, und mit unseren instinktivsten Gefühlen und Emotionen entgegenwirken. Wie in den Werken dieser Serie versucht jeder von uns, ein Gleichgewicht zu halten, das für uns am wichtigsten ist, ein Gleichgewicht zwischen dem Material, dem Göttlichen oder dem Natürlichen.
]]>Doch zunächst ein kurzer Überblick über die gebräuchlichsten Drucktechniken für grafische Arbeiten:
Serigraphie: Bei dieser Technik, die ihren Ursprung in der Antike hat und durch die Pop Art populär wurde, wird ein Netz auf einen Träger gelegt, das den Durchgang der Farbe in die Bereiche verhindert, in denen kein Bild erscheinen soll. Wenn dieser Vorgang x-mal mit verschiedenen Farben wiederholt wird, erhält man ein Bild mit x Farbschichten. Andy Warhols Marilyn-Siebdrucke, die von Sunday B. Morning veröffentlicht wurden, haben zum Beispiel 5 Farbschichten: eine für den Hintergrund und die Augenlider, eine für die Haare, eine für die Schatten, die Augenbrauen und die Lippen, eine für das Gesicht und eine für die Lippen und den Hals. Einige Künstler wie Beejoir können bis zu 70 Schichten für ein Werk verwenden, wie wir in seinem Werk Imodium 70 sehen können.
Gravur: Der Künstler zeichnet auf die Oberfläche der Plattenschnitzerei, wo er/sie das Bild haben möchte. Durch Auftragen von Tinte auf die Oberfläche wird diese auf alle verbleibenden Lücken gehostet, und durch Drücken der Platte auf das Medium erhalten wir das Bild. Abhängig von dem als Platte verwendeten Material (Holz, Metall, Stein ...) und der Art und Weise, wie der Künstler es graviert (direkt, zum Beispiel mit einem Schlag oder indirekt mit Produkten, die die Oberfläche angreifen), werden wir darüber sprechen verschiedene Medien wie Aquatinta, Radierung, Linolschnitt, Holzschnitt ... Einige Meister in der Anwendung dieser Techniken sind die Künstler Antoni Tàpies oder Antoni Clavé.
Lithografie: Hier arbeitet der Künstler auf einem Kalksteinteller. Er oder sie erstellt das Bild aus einem fetthaltigen Material und befeuchtet dann den Stein. Der nächste Schritt besteht darin, durch die Oberfläche eine ebenfalls fettige Tinte hinzuzufügen. Vom Fettmaterial angezogen und vom Wasser abgestoßen, erzeugt die Tinte das Bild, und sobald der Stein auf den Träger gedrückt wird, absorbiert dieser die Tinte. Für jede Farbe wird eine andere Platte hergestellt. Obwohl diese Technik als Gravurtechnik angesehen werden kann, besteht der Unterschied darin, dass die gedruckten Medien keine Reliefs aufweisen, da die Platte nicht geschnitzt, sondern darüber gezogen wird.
Giclée: Dieser Begriff wird für Digitaldrucke verwendet, die mit hochwertigen Tintenstrahldruckern erstellt und zum Erstellen von Kunst verwendet werden. Dieser Begriff wurde mit der Absicht erstellt, diese Eindrücke mit einem künstlerischen Zweck der regulären Iris-Drucke zu unterscheiden, mit einem industriellen Schnitt, der jedoch mit denselben Druckern (Kodak Iris-Druckern) hergestellt wurde.
In Artetrama bemühen wir uns, alle Informationen zu geben, die wir über die von uns bereitgestellten Werke haben. So finden wir Beschreibungen wie "Siebdruck handverziert mit Sprühfarbe auf Archivpapier". Wenn wir angeben, dass ein Werk vom Künstler von Hand beleuchtet, verschönert, retuschiert oder fertiggestellt wurde, bedeutet dies, dass es sich bei dem fraglichen Werk um einen Druck handelt, der mit einer der oben genannten Techniken erstellt wurde, und dass vom Künstler auch eine manuelle Arbeit hinzugefügt wurde. Diese Retusche oder Veredelung kann mit Tinte, Acryl, Spray oder einem anderen Material erfolgen, das nicht Teil des Druckprozesses war. Die Werke mit dieser Art der Veredelung haben eine besondere Attraktivität für Sammler, da sich aufgrund dieser manuellen Arbeit jedes von dem anderen unterscheidet, was ihm einen einzigartigen Charakter verleiht.
Zeitgenössische Künstler wie Josep Guinovart retuschieren einige ihrer Werke von Hand, wie zum Beispiel die Gravuren der Serie Imatges i terra, die von Hand mit Acryl veredelt sind. Andere wie Steve Kaufman verwendeten Öl, um ihre Siebdrucke zu verschönern, und einige wie Elvis II haben ebenfalls Glitzer auf dem Hintergrund, was ihm einen auffälligen Glanz verleiht und eine klare Anspielung auf den Stil des porträtierten Sängers macht.
Martin Whatson verwendet häufig Marker und Sprühfarbe, um seinen Siebdrucken einen Hauch von Farbe zu verleihen (wir können ein Beispiel in seinen Arbeiten Climber oder Zebra sehen. Pure Evil verwendet Poska- und Krink-Tinten oder Sprühfarbe für seine "handgefertigten" Ausgaben So einzigartig, dass er jeweils 1/1 nummeriert. Andere Künstler wie Mr. Brainwash oder Nick Walker verwenden Sprühfarbe, um ihre Arbeiten zu beenden, tun dies jedoch durch eine Stencil. Dies ist eine Schnittschicht, durch die die Sprühfarbe fließt. Roamcouch, a Ein wahrer Meister in der Herstellung von Stencils, der einige seiner limitierten Editionen mit Perlglanzfarben abschließt, die seiner Arbeit einen ganz besonderen Glanz verleihen. Ein Beispiel dafür findet sich in der Arbeit Rainbow Inc. (Sepia Edition AP).
In Bezug auf den Künstler Antoni Clave erwähnen einige Beschreibungen seiner auf unserer Website präsentierten Werke Karborundum oder Prägung. Wie wir in unserem Artikel "Alles, was Sie beim Kauf von Kunstdrucken wissen müssen" besprochen haben, handelt es sich bei Carborundum um eine Drucktechnik, bei der der Platte, auf der das Bild aufgenommen wurde, ein Material, insbesondere Siliziumkarbidpulver, hinzugefügt wird. Dies gibt Textur und Form die endgültige Arbeit. Das Prägen konzentriert sich jedoch lediglich darauf, die Arbeit durch eine Platte mit einem Biss größerer Tiefe, die eingefärbt sein kann oder nicht, oder durch das Einbringen von Gegenständen auf das Papier zu entlasten, so dass nach dem Druck ein Reliefbild entsteht. Einige urbane Künstler wie Martin Whatson, Eelus oder Sandra Chevrier verwenden diese Technik, um ihre Unterschrift zu stempeln, abgesehen von handgeschriebenen.
Beim Siebdruck sprechen wir in einigen Werken wie "Choose your weapon" von Lora Zombie oder "Nubian princess" von Hush von einer "zusätzlichen Schicht". Diese zusätzliche Schicht ist die letzte, die auf die Arbeit gedruckt wird, und wird normalerweise mit einem anderen Material als die Tinten gedruckt, die zum Erstellen der vorherigen Schichten verwendet wurden. Im Fall von "Wähle deine Waffe" verwendet der Künstler rote Folie (siehe detaillierte Fotos), während Hush seiner Arbeit mit einer Schicht UV-Lack den letzten Schliff verleiht.
Der UV-Lack wird von vielen Künstlern verwendet, um ihrer Arbeit Mate- oder Glanzeffekte zu verleihen. Es ist nicht korrosiv und abriebfest. Bei der Siebdrucktechnik kann eine Schicht dieses Lacks die gesamte Arbeit oder einen Teil davon bedecken, als wäre es eine Farbschicht. Takashi Murakami verwendet dieses Material in einigen seiner Arbeiten, um ihnen einen hohen Glanz zu verleihen. Ein Beispiel für dieses Ergebnis könnte sein, Who's afraid of red, yellow, blue and death.
Für andere Arbeiten dieses Künstlers beschreiben wir das Medium als "Offset-Lithographie mit Silber", was bedeutet, dass die Arbeit mit einer Silberschicht gedruckt wird, um das Bild eines Metalleffekts zu erhalten. Es ist auch durchaus üblich, in einigen Werken von Takashi Murakami eine andere Besonderheit zu finden: Was bedeutet eine "Offset-Lithographie mit heißem Stempel"? Und mit Kaltstempel? Beide beziehen sich auf die Temperaturen, die die beteiligten Materialien während des Druckvorgangs erreichen. Beide Finishing sind unterschiedlich. Für Murakami erhält er beim Heißprägen Perleneffekte und beim Kaltprägen glänzende Farben, da bei diesem Verfahren in vielen Fällen auch UV-Lack verwendet wird.
Wie wir sehen können, ist die grafische Arbeit eine komplexe Disziplin. Der Künstler kann mehrere Medien, Werkzeuge und Verfahren verwenden, um verschiedene Oberflächen zu erstellen und zu seinen Werken hinzuzufügen. Abhängig vom Zweck der Arbeit, dem Stil und den Absichten des Künstlers finden wir verschiedene Medien, Materialien und Verzierungen, die das Sammeln von Kunstdrucken spannend machen.
]]>Die Bewegungen, die sich aus diesem Moment ergeben, brechen radikal mit dieser Idee. Der italienische Futurismus beinhaltet die Maschine und Bewegung, macht Gegenstände wie Autos oder Flugzeuge zu Protagonisten und erklärt, dass die Industrie die neue Säule ist, auf der der Mensch steht, die eindeutig über die Natur trumpft. Der Kubismus mit seiner Dekonstruktion des Bildes ist der letzte Schritt zu Rebellion und Anarchie infolge von Perioden der Unterdrückung, aber auch inspiriert von der Notwendigkeit, die Form der dargestellten Elemente wiederherzustellen, die im Impressionismus verloren gegangen sind. Der Dadaismus, mit Schwitters und Duchamp an der Spitze, schafft das paradoxe Konzept der Anti-Kunst und entwickelt die Theorie der Absurdität, die Alltagsgegenstände preist und sie in Kunstgalerien bringt. Beispiele wie "Dynamism of a Cyclist" von Boccioni, "Guernica" von Picasso oder "The Fountain" von Duchamp machen deutlich, dass die konventionelle Kunst die Klassik und die Formalitäten repräsentiert und dass diese Künstler das neue Gesicht der modernen Kunst sind und Nichtkonformität.
Wenn wir ein paar Jahrzehnte überspringen und in die 50er Jahre vordringen, finden wir einen jungen Künstler, der mit Kitsch und Massenproduktion experimentiert. Wir sprechen über Robert Rauschenberg, der alle Anstrengungen unternimmt, um Kunst der Öffentlichkeit zugänglich zu machen und mit der Ernsthaftigkeit und dem kulturellen Elitismus des Abstrakten Expressionismus zu brechen. Rauschenberg ist die Inspirationsquelle für Künstler wie Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Jasper Johns und James Rosenquist, Eltern der Popkultur.
Wie wir gerade erwähnt haben, war Kunst bis Mitte des Jahrhunderts rebellisch und revolutionär, wenn auch nur von wenigen verstanden. Diejenigen mit umfassendem akademischen Hintergrund und kulturellen Fähigkeiten hatten das Glück, zu verstehen und zu schätzen, was die Künstler repräsentierten. Noch weniger waren diejenigen, die neben diesen Eigenschaften die Kaufkraft besaßen, um einige der in Kunstgalerien gezeigten Werke zu erwerben. Dies ist der Moment in der Kunstgeschichte, in dem die Pop Art erscheint. Und die Sache ist, dass Pop nicht mehr und nicht weniger als eine Abkürzung für "populär" ist; Bei Pop Art geht es darum, Kunst zumindest kulturell den Menschen zugänglich zu machen.
In einer Zeit, in der die Konsumkultur ihren Höhepunkt erreicht hat, ist die Grenze zwischen Kunst und Werbung so schwach, dass sie verschwindet. Roy Lichtenstein nutzt die Ästhetik von Werbevignetten und Benday (gewebte Punkte, die ein für das Druck typisches Bild erzeugen) mit einer ironischen und sarkastischen Sprache, um sich der Öffentlichkeit zu nähern.
Andy Warhol (von dem wir in anderen Artikeln wie "Andy Warhols Idole" und "Andy Warhol: Marylin-Serie" gesprochen haben) bringt die Massenproduktion auf eine andere Ebene. Seine Darstellungen von Campbell's Soups und seine Porträts von Film- und Musikstars bringen das Gewöhnliche in die Kunstgalerie. Andy Warhol gibt dem künstlerischen Schaffen eine Wendung, indem er viele seiner Werke durch ein branchenübliches Druckverfahren wie den Siebdruck entwickelt. Auf diese Weise erweitert Warhol das Konzept des Populären durch den Entstehungsprozess seiner Werke.
Wenn wir rechtzeitig weitermachen, kommen wir in den 80ern an. Das Ende des Vietnamkrieges, die Feindschaft zwischen Russland und den Vereinigten Staaten und das Ende der glücklichen Zeiten der Disco-Ära machen diese dunklen Tage aus. Die Kunstwelt leidet und die Künstler, die frustriert sind, keinen Platz in den großen Galerien zu erreichen, gehen auf die dekadenten Straßen, wo sie einen Raum finden, um sich auszudrücken. So finden wir in der Kunstgeschichte DONDI (Donald Joseph White) und seine "Kinder des Grabes" (Titel eines Liedes von Black Sabbath). Wieder einmal treffen sich Kunst und Paradoxon auf drei U-Bahn-Wagen, die in der Öffentlichkeit illegal lackiert sind.
In einer Zeit des übermäßigen Konsums, in der Geld Macht und Glück bedeutet, setzen Künstler wie Jean Michel Basquiat, Keith Haring oder Bleck Le Rat alles daran, soziales Bewusstsein zu schaffen. Basquiat lässt unter dem Pseudonym SAMO die Tagging außer Acht, um Gedichte zu erstellen, die die Existenz eines Teils der marginalisierten und nicht privilegierten Gesellschaft enthüllten, der mit den von Geld besessenen Yuppies koexistierte. Keith Haring, Aktivist für Freiheit und Menschenrechte, nutzte seine Ausbildung in Grafik, um die Straßen und die städtischen Möbel mit seinem einzigartigen Stil neu zu dekorieren. Hinter seinen Darstellungen von Leben, Tod, Sex und Krieg standen gesellschaftspolitische Absichten. Bleck Le Rat wurde bekannt, nachdem er eine Rattenplage an den Wänden der französischen Hauptstadt verbreitet hatte, da sie laut diesem Künstler die einzigen freien Tiere sind, die in großen Städten zu finden sind.
Es ist unvermeidlich, die vielen Ähnlichkeiten zwischen Urban Art und Pop Art zu sehen. Beide Bewegungen verfolgen die Idee, Kunst der Öffentlichkeit zugänglich zu machen, entweder durch Malen, Drucken oder in den Straßenmöbeln in voller Sicht. Es ist auch üblich, wie wir bereits in unserem Artikel "Street Art, viel mehr als Graffiti" erwähnt haben, einen Hauch von Ironie, Satire und Parodie auf der Street Art, Säulen der Pop Art, zu finden.
So ist leicht zu erkennen, wie die jungen Stadtkünstler heute ihre Vorgänger als Referenz nehmen. Wenn wir uns die Werke von D*Face ansehen, ist der Einfluss von Roy Lichtensteins Comic-Vignetten leicht zu erkennen. Und wie letztere ist Sandra Chevrier inspiriert und verwendet den Comic, um beeindruckende Frauenporträts zu erstellen. Pure Evil verwendet wie Warhol das Bild der berühmtesten Gesichter des Kinos und der Musik, um seine Serie von "Albträumen" zu kreieren. Sicherlich ist der King of Pop auch eine Inspirationsquelle für Mr. Brainwash (wir können Kate Moss oder Andy Warhol in Werken dieses Künstlers sehen) oder Shepard Fairey. Invader nimmt etwas so Banales wie das künstlerische Bild von Videospielen und wir können die Mosaike in Städten auf der ganzen Welt, aber auch in den größten Galerien sehen. Es ist nicht zu leugnen, dass Bleck Le Rat Banksy inspiriert und er wiederum ebenso viele städtische Künstler anspricht.
Wir können sagen, dass Künstler seit Beginn der Avantgarde des 20. Jahrhunderts der sozialen und politischen Situation ihres Augenblicks einen Schritt voraus sind. Ob durch Nichtkonformität, Rebellion oder Ausdruck einer Idee, wir haben die Notwendigkeit beobachtet, mit den konservativsten und vorgefassten Ideen zu brechen. Dies hat seinen größten Exponenten mit dem Aufkommen der urbanen Kunst, die über ästhetische Erwägungen hinaus ethische Probleme untersucht, die sich aus Massenkonsum, Globalisierung oder Kapitalismus ergeben.
]]>Ja, Sie können Kunst sammeln, ohne astronomische Geldbeträge auszugeben. Manchmal bringt das Nichtwissen über die Existenz der grafischen Werke viele Kunstinteressierte dazu, nicht einmal über die Möglichkeit nachzudenken, ein Originalwerk in ihrem Haus zu haben.
Viele Faktoren beeinflussen den Preis einer Arbeit. Im Fall des Drucks kann das verwendete Medium, die Anzahl der Kopien, die die Ausgabe bilden, oder die Größe des Werks einige Merkmale sein, die bei Akquisitionen berücksichtigt werden müssen. Offensichtlich die Forderung des Künstlers, die letztendlich den Preis der Arbeit bestimmt. Wir können Siebdrucke von Shepard Fairey für 50 US-Dollar, aber auch für 1000 US-Dollar erwerben. Die Größe, Ausgabe, Unterschrift oder das Jahr sind der Schlüssel zur Beurteilung der Arbeit eines Künstlers.
Wie wir in unserem Artikel erwähnt haben "Rebellion als Motor des künstlerischen Schaffens im 20. Jahrhundert", Andy Warhol revolutionierte den Kunstmarkt mithilfe der Printmedienindustrie, um einige seiner wichtigsten Werke zu schaffen . In diesen Jahren waren viele dieser Werke in limitierter Auflage für den Durchschnittsbürger erschwinglich. Die Drucke, die er 1967 mit der Fabrik gemacht hat, werden heute ab jeweils 100.000 US-Dollar verkauft und umfassen ein komplettes Portfolio, das aus 10 Marilyns, können eineinhalb Millionen Dollar kosten.
Noch vor wenigen Jahren verkaufte Banksy einige seiner Siebdrucke wie "Christus mit Einkaufstüten" oder "Liebe liegt in der Luft" für 500 bzw. 100 Pfund. Die Medienwirkung, die dieser urbane Künstler im letzten Jahrzehnt hatte, führte zu einer solchen Nachfrage, dass dieselben Serigrafien bei ihrer Versteigerung bei Bonhams im Jahr 2012 Verkaufspreise von jeweils 20.000 USD erreichten. Der Wert von Banksy ist so stark gestiegen, dass wir nicht nummerierte und feststellen können unsignierte Drucke in Galerien für mehrere tausend Euro. Wir dürfen nicht überspringen, dass die Werke vieler heutzutage aufstrebender Künstler in Zukunft ein Vermögen wert sein können.
Wenn Sie ein Interesse daran haben, eine Sammlung von Kunstdrucken zu gründen, kann es überwältigend sein, übermäßige Informationen zu haben: Stile, Künstler, Galerien ... Manchmal ist es schwierig zu wissen, wo Sie anfangen und ein Ziel setzen sollen.
Die Gravur, Siebdruck, Lithografie ... es ist nicht ungewöhnlich, Sammler zu finden, die nur erwerben Werke einer bestimmten Technik. Die Oberflächen variieren und jedes Medium wird nicht von allen Künstlern beherrscht. Zum Beispiel Künstler wie Antoni Clavé oder Andrés Nagel gelten aufgrund ihrer beeindruckenden Verwendung der Radierung als Meistergraveure. Die Takashi Murakami -Lithografien zeichnen sich durch sehr raffinierte Oberflächen und Verwendung aus in seinen Kreationen nicht so konventionelle moderne Verfahren. Martin Whatson hat einige ihrer limitierten Editionen von Hand optimiert und verfügt über einen Profilsammler nur daran interessiert, diese Werke zu erwerben. Pure Evil, ebenfalls mit einer großen Anzahl treuer Sammler, macht seine Siebdrucke der "Nightmares" -Serie verwenden immer dasselbe Papier mit denselben Maßen und denken nur an diejenigen, die seine Drucke sammeln.
Wie bereits erwähnt, ist einer der Faktoren, die den Preis der Druckherstellung beeinflussen, die begrenzte Anzahl von Drucken in der Ausgabe. Dies ist jedoch ein relativer Wert, da dies für einen Künstler ein großes Problem sein könnte, für einen anderen mit höherer Nachfrage jedoch möglicherweise nicht. Darüber hinaus arbeiten viele Künstler individuell an jedem Exemplar der Edition. Durch die Einbeziehung zusätzlicher Medien wie Acryl und Collage verleihen sie jeder Nummer eine größere Exklusivität, die jedem Druck einen einzigartigen Charakter verleiht.
Neben diesen gibt es viele andere Gründe, warum sich immer mehr Menschen dazu verpflichten, ihre eigene Sammlung von Kunstdrucken zu erstellen. Die Vielfalt der Techniken, die vielen verschiedenen Stile und die Schwierigkeit, bestimmte Stücke zu finden, machen diese Aktivität wirklich aufregend.
]]>Während des gesamten 20. Jahrhunderts waren es nicht wenige Sammler, die durch den Erwerb von Werken fast unbekannter Künstler wie Paul Cezanne, Pablo Picasso oder Henri Matisse aufgrund astronomischer Rentabilität großartige Werke und Millionärssammlungen besaßen . Wahrscheinlich ist einer der bekanntesten Fälle der Vogel's. Diese Ehe zwischen Herb und Dorothy Vogel, einer Postangestellten und einer Bibliothekarin, begann Anfang der 60er Jahre, einen Teil ihres Einkommens für den Kauf von Kunstwerken konzeptioneller und minimalistischer Künstler vorzusehen. Ein halbes Jahrhundert lang erwarben sie Werke von Künstlern wie Sol LeWitt, Christo, Chuck Close oder Robert Mangold, und als sie sie in ihrer kleinen Wohnung in New York aufbewahrten, besaßen sie eine beeindruckende Sammlung, eine der bedeutendsten der Welt. Das Außergewöhnliche an dieser Geschichte über die Vogels ist, dass sie nie über ein einziges Werk spekuliert oder es verkauft haben und erst als ihre Wohnung bis zum Rand voll war, beschlossen sie, ihre gesamte Sammlung der National Gallery of Art in Washington und anderen Museen in den USA zu spenden. Ein großartiges Beispiel für die wahre Liebe zur Kunst in Zeiten der Gier und Spekulation, in denen es nur auf die Zahl ankommt.
Aber nicht der gesamte Markt ist durch diese äußerst wertvollen Werke vertreten, die als potenzielle Kunden in den meisten Fällen ein großes Vermögen aus Schwellenländern haben. Es gibt viele Künstler und Werke, deren Zitat in den letzten Jahren wirtschaftlicher Instabilität abgenommen hat. Ohne Zweifel muss dies als Gelegenheit genutzt werden, Kunstwerke zu wirklich guten Preisen zu erwerben.
Der Aufbau einer Kunstsammlung ist eine aufregende Reise, die jedoch demjenigen, der kurz vor dem Einsturz steht, möglicherweise zu viel Respekt und Verwirrung auferlegt. Es ist wichtig, die Sammlung kohärent zu gestalten. Die Auswahl einer Gruppe von Künstlern, Bewegungen oder Perioden kann interessant sein, um die anfängliche Desorientierung zu überwinden. Wenn wir die Künstler studieren, ihren Lehrplan bewerten und ihre Ausstellungen besuchen, können wir die Werke bestimmen, die wir in unsere Sammlung aufnehmen möchten. Es ist auch wichtig, die Preise zu vergleichen, da es sich um einen sehr variablen Markt handelt und es durchaus üblich ist, für ein Kunstwerk eine wichtige Summe zu zahlen, die erheblich über dem tatsächlichen Wert liegt. Wir dürfen nicht von Trends besessen sein, die oft nur vorübergehend sind. Wir müssen uns an unserem eigenen Geschmack und an den Gefühlen orientieren, die bei der Betrachtung eines Werks entstehen. Wir müssen die Argumentation und das Herz für jeden unserer Einkäufe in Gang setzen.
]]>Banksy ist das Pseudonym eines britischen Stadtkünstlers, dessen wahre Identität unbekannt ist und der seine Werke in den wichtigsten Galerien und Auktionshäusern der Welt im Wert von Zehntausenden von Euro verkauft hat. Er ist dafür verantwortlich, dass die urbane Kunst Zugang zu Galerien und Ausstellungsräumen erhält und von ihren städtischen Medien dekontextualisiert wird.
Obwohl er seine Werke schon einmal gezeigt hatte, finden wir in seiner Ausstellung "Barely Legal" im Jahr 2006 in Los Angeles vielleicht einen Wendepunkt zwischen Vandalismus und Kunst. Dank dieser Show steigen in wenigen Tagen seine Preise und die anderer städtischer Künstler. Ist das der Moment, in dem Kunstsammler aus aller Welt auf diesem neuen Markt sein wollen?
Aber Banksy möchte zeigen, dass es in seiner Arbeit nicht um Ruhm oder Geld geht, und dafür schlägt er Thierry Guetta vor, ein Dokument zu erstellen, das die wahre Geschichte der urbanen Kunst erzählt. Guetta hat ziemlich lange mit seiner Kamera Graffiti-Künstlern wie Shepard Fairey oder Banksy gefolgt und hatte das Material, um der Welt die Wahrheit über diesen neuen künstlerischen Ausdruck zu erklären.
Ein paar Monate vergingen und Guetta bearbeitete seine 90-minütige Filmrolle eines unsinnigen Bildbombardements. Als Banksy es sah, stellte er fest, dass Guetta vielleicht kein Filmemacher war, sondern „vielleicht nur jemand mit psychischen Problemen, der zufällig eine Kamera hatte“.
Thierry Guetta nahm den Pseudonym Mr. Brainwash an und beginnt, in den Straßen von Los Angeles seine eigenen Wandbilder zu erstellen. Bald darauf gründet er sein eigenes Studio und beginnt mit der Produktion von Werken zur Vorbereitung seiner ersten Show "Life is Beautiful". Dafür verkaufte er sein Geschäft und setzte auf alles, was er besaß. Er hatte noch nie zuvor eine Ausstellung gemacht und gab vor, sich von einem Tag auf den anderen zum Künstler zu machen. Und er hat es getan. Seine Show hatte einen unerwarteten Erfolg und Mr. Brainwash hatte fast sofort internationale Anerkennung und wurde zum Star der wichtigsten Gegenkulturbewegung seit Punk.
Schließlich war diese Idee, einen Film zu produzieren, der die Realität der urbanen Kunst zeigte, ein Dokumentarfilm ("Exit Through the Gift Shop", 2008) unter der Regie von Banksy selbst darüber, wie Thierry Guetta zu Mr. Brainwash wurde.
]]>Die Arbeiten von Warhol über Marilyn Monroe basieren auf dem Bild von Gene Korman für die Niagara-Filmrolle. Er hat ungefähr 50 Arbeiten basierend auf diesem Bild gemacht, aber in diesem Artikel werden wir die Serie von zehn Farbvarianten analysieren, die mit Siebdrucktechnik erstellt wurden und als Marilyn-Serie bekannt sind.
Die Original Serie, bestehend aus 10 Siebdrucken mit demselben Bild, aber unterschiedlichen Farben, wurde 1976 erstellt. Diese wurden auf der Museumsplatine von Aetna Silkscreen Products Inc. ausgeführt und von der Firma Factory Additions bearbeitet. Sie haben eine Größe von 91 x 91 cm (36 x 36 Zoll) und gehören zu einer Auflage von 250 Exemplaren, von denen einige vom Künstler signiert und andere mit seinen Initialen beschriftet wurden. In einigen von ihnen wurde das Datum geschrieben, in anderen nicht. Es wurden auch 26 Portfolios erstellt, die Künstlerexemplaren gehörten, von A bis Z signiert und bezeichnet.
Ohne Zweifel ist dies die wertvollste Serie von allen, die veröffentlicht wurden, nachdem sie für ein vollständiges Marilyn-Portfolio bis zu 1,5 Millionen Dollar bezahlt wurden. .
1970 wird eine neue Suite mit demselben Bild bearbeitet, jedoch mit weiteren 10 neuen Farbvarianten und weiteren Abmessungen von 84,4 x 84,5 cm. Siebdrucke, die zu dieser Serie gehören, enthalten auf der Rückseite die Briefmarken "Published by Sunday B. Morning" and "Fill in your own signature", beide mit schwarzer Tinte gedruckt.
Diese Siebdrucke am Sunday B. Morning wurden in Andy Warhols Werkverzeichnis von Feldman & Schellmann aufgenommen, in dem alle grafischen Arbeiten des Künstlers von 1962 bis 1987 zusammengefasst sind. Seltsamerweise signierte Warhol selbst einige dieser Exemplare mit dem Satz "This is not by me. Andy Warhol".
Eine dritte Suite, bekannt als "European Artist's Proof Edition", wurde 1985 unter Verwendung des gleichen Marilyn-Bildes und mit Andy Warhols Unterschrift erstellt. Es ist nicht bekannt, wie viele Exemplare veröffentlicht wurden.
Das vierte Set, das von dieser 10 Marilyn Suite gedruckt wurde, gehört heute Sunday B. Morning und kann durch die blauen Stempel auf der Rückseite unterschieden werden. Diese Drucke stammen aus Reproduktionen der serigraphischen Bildschirme, die Andy Warhol 1967 verwendet hat, wobei dasselbe Papier mit derselben Größe und hochwertigen Tinten verwendet wurde, wodurch die Arbeit sehr lebendige Farben erhält.
In Bezug auf diese letzte Marilyn-Serie wurden auch die Portfolios von Flowers, Campbell's Soup and Mao Suiten von Sunday B. Morning herausgegeben.
Sie können unsere verfügbaren Siebdrucke für Sunday B. Morning ansehen:
Aber woraus besteht die Stencil? Dieses Medium ist einfach und berechtigt im Grunde dazu, ein negatives Bild oder eine Form zu ersellen, indem eine flache Oberfläche (zum Beispiel ein Karton) geschnitten und die Stencil selbst erstellt wird. Anschließend wird es auf das Medium aufgetragen und mit Sprühfarbe überzogen, sodass die positive Linke auf dieser Oberfläche dargestellt wird.
Ohne auf seine Ursprünge zurückzukommen, hat der klarste Hinweis auf Graffiti-Stencil, wie wir ihn heute kennen, seine Wurzeln im Zweiten Weltkrieg. Die amerikanische Armee verwendete Stencil, um sie auf die Ausrüstung ihrer verschiedenen Einheiten zu setzen und sie auf diese Weise zu kennzeichnen, damit jeder wusste, zu welcher Abteilung der Soldat gehörte. Aber nicht nur in Kriegszeiten wurde das "Stencil-Tagging" geboren. Soldaten auf beiden Seiten verwendeten auch Stencil, um Wege mit symbolischen Bildern zu identifizieren, sie auf den Boden oder über die Wände des Gebäudes zu malen oder den Feind mit Angst zu füllen, indem sie ihre schweren Waffen mit Schädeln oder wilden Tieren dekorierten.
In der Zwischenzeit wurden die ersten Stencil an Wänden erstmals in Europa gesehen, diesmal mit einem eher politischen Anspruchssinn. Diese wurden verwendet, um Botschaften gegen die Regierung zu zeigen. Wie bereits erwähnt, ist die Stencil schnell, ein ziemlich guter Vorteil bei der Begehung einer illegalen Aktivität. Andererseits waren diese Botschaften an den Wänden auch als politische Propaganda sehr nützlich. Zum Beispiel nutzte der italienische Diktator Mussolini diese Stencilbotschaften, um die Bürger zu beeinflussen.
Dieselbe Philosophie, politische Botschaften zu verbreiten, wurde Jahrzehnte später von der Punk-Bewegung übernommen, die sehr an einen DIY-Stil (Do it yourself) gebunden war. Bands wie die British Crass haben in den 70er Jahren in vielen Städten Großbritanniens eine Erklärung ihrer politischen Ansichten abgegeben.
Dieser Trend, politische Botschaften mit Bandnamen zu verbinden, ist so stark in der Punkszene verwurzelt, dass selbst der große Shepard Fairey erkennt, dass seine Anfänge in der urbanen Kunst nicht auf Graffiti zurückzuführen sind, sondern auf die Punk-Propaganda von Bands wie Black Flag, Sex Pistols oder The Clash.
Heutzutage ist Banksy der weltweit beliebteste Stadtkünstler, aber wie wir schon lange zuvor in unserem Beitrag "Stadtkunst von den Straßen zu den Kunstgalerien" gesagt haben, ist Blek Le der Vater der Graffiti-Stencil, wie wir sie heute kennen Ratte.
Der französische Künstler begann Anfang der 80er Jahre in Paris mit der Erstellung seiner ersten Arbeiten mit Sprühfarbe. Durch die Stencil gelang es Blek Le Rat, sich vom New Yorker Graffiti-Stil zu lösen, der in jenen Jahren dank Künstlern wie Keith Haring oder Jean-Michel Basquiat am besten war. Bleck Le Rat war der erste, der der Stenciltechnik dank seiner Ratten und echten menschlichen Figuren den Ruhm verlieh, den sie heute hat.
Blek Le Rat begann 1981 mit seiner Invasion in der französischen Hauptstadt und zog kleine Ratten in vielen verschiedenen Ecken der Stadt an. Diese Ratten (RAT ist das Akronym für ART) wurden dann zum einzigartigen Stempel des Künstlers und zum Symbol für Kreativität und Freiheit. Etwas später, 1983, schuf Blek Le Rat, inspiriert von Richard Hambleton und Pigneon-Ernests Werken, eine Reihe menschlicher Figuren, die das Bild eines alten Mannes darstellten. Der Künstler hat es von einem Bild ausgeliehen, das einen Artikel in einer Zeitung illustriert, der die aktuelle Situation in Nordirland beschreibt. Dieser Mann erschien auf dem Bild und schrie Soldaten an, die die Zivilbevölkerung mit ihren Waffen einschüchterten. Die Haltung dieses Mannes wurde von Blek Le Rat als Symbol für Aufruhr, Freiheit und vor allem Tapferkeit angesehen.
]]>Hier stellt Takashi Murakami also diese Löwen mit ihren Jungen dar, die auf der Spitze ihres Elternteils über einer aus menschlichen Schädeln gebildeten Brücke herumtollen. Da davon auszugehen ist, dass diese Jungtiere das Überleben des Stärkeren sind, will Murakami uns damit vielleicht sagen, dass das Erwachsenwerden nicht so einfach ist...
Aber was ist mit den Titeln der beiden Werke, die wir hier haben? Die Titel "Von chinesischen Löwen, Pfingstrosen, Schädeln und Brunnen" erzählen uns eindeutig von diesen Karajishi, die wir bereits erwähnt haben, wir sehen die Schädel und wir sehen die Brunnen an den Seiten, aber als westlich geprägte Menschen fragen wir uns vielleicht: Wo sind die Pfingstrosen? Nun, die Shogune (im mittelalterlichen Japan waren sie Grundherren mit einer eigenen Samurai-Armee) hatten den Löwen als das stärkste und königliche aller Tiere und die Pfingstrose als die Königin aller Blumen, und so waren sowohl der Löwe als auch die Pfingstrose Symbole des Luxus. Der Legende nach hatte der Löwe, das furchterregendste Tier, Angst vor einem kleinen Käfer. Ein winziges Insekt, das unter seine Haut gelangen und ihn von innen auffressen konnte. Aber dieser Käfer wurde von der Blüte der Pfingstrose getötet, so dass Karajishis immer über diesen Blumen ruhten. Wie im Ying-Yang wird die wildeste Kreatur durch die zarteste aller Blumen, die Pfingstrose, gemildert.
Bei "As the interdimensional waves run through me I can distinguish between the voices of angel and evil!" trifft sich der Bezug zur traditionellen japanischen Kultur mit dem vorherigen Werk. Aber es ist möglich, dass Takashi Murakami uns in diesem Werk einen Gedanken über mehrdimensionale Welten näher bringen will, wie es Edwin A. Abbott in seinem Roman "Flatland: Eine Romanze der vielen Dimensionen". In diesem Roman erzählt Edwin A. Abbott die Geschichte von Square aus Flatland, der eines Tages eine Offenbarung hat und in eine unbekannte Welt, Lineland, reist. Dort gibt es nur eine Dimension, und ihre Bewohner, Punkte und Linien, können sich nur auf einer Linie hin und her bewegen. Square trifft den König von Lineland, dem er versucht, die Realität seiner zweidimensionalen Welt zu erklären. Der König kann ihm nicht glauben, hält Square für einen Narren und vertreibt ihn aus seiner Welt. Zurück im Flachland trifft Square auf Sphere, der ihm von einem dreidimensionalen Universum erzählt, ein Konzept, das Square nicht versteht und deshalb lehnt er Sphere genauso ab, wie ihn der König von Lineland zurückgewiesen hat. Square ist erst dann in der Lage, die Existenz einer komplexeren Welt als der seinen zu akzeptieren, als Sphere ihm Spaceland zeigt, um ihm klar zu machen, dass es andere Realitäten als die seine gibt. Der Roman ist eine Satire auf die soziale Hierarchie der viktorianischen Gesellschaft und handelt davon, wie man lernt zu streben und wie man anderen beibringt, zu streben und andere Realitäten zu akzeptieren. Vielleicht ist es für den Menschen ganz natürlich, dass er seine eigene Wahrnehmung als die richtige ansieht, niedrigere Realitäten kritisiert und alles nicht akzeptiert, was seiner eigenen Wahrnehmung der Welt, in der wir leben, widerspricht. In Bezug auf Murakamis Werk verwendet er den Begriff Superflat, um sich mit seinem eigenen Werk zu befassen, und er tut dies unter einem formalen oder ästhetischen Gesichtspunkt, projiziert ihn aber auf das, was historisch und sozial ist.
Schließlich können wir in diesen beiden Werken eine Zeile chinesischer Schriftzeichen sehen, die zu einem alten buddhistischen Text gehören, in dem es heißt: "Gras, Bäume, Länder, die Erde selbst - sie alle sollen ganz in die Buddhaschaft eingehen."
Takashi Murakami zeigt uns in diesen Werken sein Wissen über die traditionelle Kultur und wie er sie versteht, was deutlich macht, dass er ein Mann mit tiefen Gedanken über Philosophie, Religion und seine geistigen Wurzeln ist.
]]>Die erste Frage, die beantwortet werden muss, ist sicherlich, was Druckgrafik ist. Auch wenn es seltsam klingt, ist die Antwort nicht einfach. Traditionell haben wir mehr über Gravur als über Druck gehört, und obwohl der Begriff, der uns jetzt beschäftigt, von Fachleuten und Sammlern zunehmend verwendet und bekannt ist, ist es durchaus üblich, beide Konzepte zu assoziieren. Das Gravieren ist eine von vielen Techniken, die das Drucken von Kunst zum Verfahren zum Erstellen von Serienbildern machen. Wenn wir feststellen, dass es nicht einfach ist, die betrachtete Frage zu beantworten, tun wir dies auf der Grundlage der Breite des Begriffs. Weil es so viele Druckmedien gibt, die sich so stark voneinander unterscheiden, dass es fast unmöglich wäre, für alle eine gültige Definition bereitzustellen.
Was sind also die grundlegenden Anforderungen, die ein gedrucktes Bild auf einem Medium erfüllen muss, um es als Kunstdruck zu behaupten? Mit dem Ziel, diese Frage zu beantworten, hat der III. Internationale Kongress für Plastische Kunst, der 1960 in Wien gefeiert wurde, die Grundsätze festgelegt, denen ein Original-Kunstdruck entsprechen sollte.
Erwähnenswert sind auch zwei Empfehlungen der Internationalen Gesellschaft der Bildhauer, Maler und Gravierer zum Rahmen der Druckgrafik:
Trotz alledem können wir nicht behaupten, dass der Leser, der nicht mit diesem Thema experimentiert hat, alle Zweifel klar hat. Aber wir werden unsere Bemühungen nicht einstellen. Also lass uns weitermachen ...
Welche sind die Kunstdrucktechniken?Da die Liste sehr lang ist, beschränken wir uns darauf, die am häufigsten verwendeten zu diskutieren. Natürlich verdient die Gravur eine besondere Erwähnung, vielleicht wegen des Hauptplatzes, den sie für die Kunstentwicklung im Laufe der Geschichte eingenommen hat. Seit Albrecht Dürer im 16. Jahrhundert können wir sehen, wie Gravierer wie Rembrandt, Goya, Delacroix oder Picasso diese Drucktechnik verwendet haben, um ihre Kunst auszudrücken. Die Gravur ist jedoch kein Medium selbst, sondern eine Gruppe von Verfahren wie Ätzen oder Aquatinta, die entwickelt wurden, um ein Bild von einer Metall-, Stein- oder Holzblockplatte auf ein Medium zu übertragen, normalerweise Papier oder Stoff.
Eine kurze Erklärung zu den am häufigsten verwendeten Gravurtechniken finden Sie in unserem Abschnitt Druckgrafik. Weitere Informationen zu anderen Drucktechniken wie Lithografie und Siebdruck finden Sie in diesem Abschnitt. .
Um die Zweifel zu klären, die beim Käufer eines neuartigen Kunstdrucks auftreten können, ist es wichtig, zwei Begriffe zu erwähnen, die in vielen Beschreibungen von Kunstwerken leicht zu finden sind: Carborundum und Prägung.
Carborundum kann nicht als Druckverfahren als solches betrachtet werden. Es wäre richtiger zu sagen, dass es sich um eine additive Technik handelt. Dies ist ein Prozess, bei dem Materialien, insbesondere Siliziumkarbid, auf die Arbeit geklebt werden, um einen Bildeffekt zu erzielen. Sein Aussehen ist sandig und es soll die Vielseitigkeit hervorheben, wenn es darum geht, Linien oder Texturen darzustellen. Es wurde von spanischen Graveuren wie Antoni Clavé, Antoni Tàpies oder Joan Miró mit großem Geschick verwendet.
Beim Prägen handelt es sich um einen Prozess, bei dem einige Bereiche des Papiers mit Relief versehen werden. Zu diesem Zweck wird die Platte durch die Säure einem größeren Biss oder einer größeren Korrosion ausgesetzt, um eine Tiefe zu verleihen, die ausreicht, um ein Relief auf dem Medium zu erzeugen. In diesem Fall wird das Relief zur gleichen Zeit wie beim Einfärben erzeugt, aber es ist auch durchaus üblich, die Prägung durch Druck auf die Platte ohne vorherige Tintenzufuhr oder durch Hinzufügen von Pappen oder anderen Objekten mit der Absicht der Erzeugung durchzuführen Dies ist ein trockener Stempel, der ein Relief ohne zusätzliche Tinten erzeugt. Gravierer wie Eduardo Chillida oder Antoni Tàpies haben in ihren Kreationen häufig Prägungen verwendet.
Wir könnten sagen, dass Kunstdruck mit dem Bedürfnis der Künstler entsteht, eine bestimmte Anzahl von Kopien desselben Bildes zu produzieren. Dafür verwenden sie eine Reihe von Medien, die von den traditionellsten, die wir bereits erwähnt haben, bis zu den modernsten wie dem Offsetdruck reichen können. Letzteres stieß zunächst auf große Skepsis als Medium für die Schaffung von Kunstwerken, vielleicht weil es sich um eine billigere und stärker industrialisierte Art von Lithografie handelte. Viele Jahrzehnte sind vergangen, seit Künstler damit begonnen haben, ihre Ausstellungsplakate im Offsetdruck zu gestalten. Heutzutage gibt es viele Künstler, die es verwenden, gelegentlich kombiniert mit anderen Techniken, um qualitativ hochwertige Bilder und eine hervorragende Farbgebung zu erzielen. Dies ist der Fall des japanischen Künstlers Takashi Murakami, der seine Offsetdrucke mit kaltem oder heißem Stempel erstellt, um die Tinten bei niedrigen oder hohen Temperaturen auf das Papier zu kleben.
Im Zusammenhang mit modernen Kunstdrucktechniken sollten wir auch den Inkjet oder das Giclée hervorheben. Der letztere Begriff wird nur für Kunstkreationen verwendet, bei denen ein wirklich hochwertiger Drucker verwendet wird. Anfangs wurden Irisdrucker verwendet, aber heutzutage ist es auch sehr üblich, Epson-Maschinen zum Erstellen von Serienwerken zu finden. Irisdrucker im Wert von mehr als 60.000 Euro verwenden die Standard-CMYK-Tinten (Cyan, Magenta, Gelb und Schwarz) und haben ein höheres Farbspektrum als der Offsetdruck, wodurch Farben mit mehr Sättigung, Stärke und Helligkeit entstehen.
Es ist nicht beneidenswert, dass ein Druckverfahren wie der Tintenstrahl, mit dem so hochwertige Ergebnisse erzielt werden können, von den Künstlern als neues und interessantes Medium für die Erstellung von Kunstdrucken übernommen wird. Und genau wie es passiert ist, ist es eine Technik, die Skepsis erzeugt hat. Aber heute gibt es viele renommierte Künstler, die es verwenden. Thomas Ruff, Luis Gordillo oder Rafael Canogar haben in den letzten Jahren mit dem Tintenstrahldruck gearbeitet. Künstler wie der große Robert Rauschenberg haben vor diesem neuen Jahrhundert mit diesem Medium gearbeitet. Insbesondere verwendete er 1996 Ink-Jet, um seine Arcadian Retreat-Serie zu erstellen.
Heutige Künstler, die noch keine große Karriere haben, aber ihre Anerkennung von Tag zu Tag erhöhen, wie im Fall der Kanadierin Sandra Chevrier oder des Holländers Handiedan , verwenden Giclée in ihren Editionen, da dies eine Technik ist, die es ermöglicht, Zeit und Produktion zu reduzieren Kosten und immer noch ein qualitativ hochwertiges Ergebnis.
Zurück zu den Grundsätzen des III. Internationalen Kongresses für Plastische Kunst zur Definition des Kunstdrucks. Lassen Sie uns zwei Aspekte in Erinnerung rufen: Die Werke müssen vom Künstler signiert und nummeriert sein. Hier können sich für einen neuartigen Käufer viele Fragen stellen. Im Folgenden werden wir versuchen, etwas Licht ins Dunkel zu bringen.
Wie wir bereits gesehen haben, muss bei Originalkunstdrucken jede Kopie der Ausgabe vom Künstler von Hand signiert werden. Es mag seltsam erscheinen, dass wir "von Hand" betonen. Gibt es eine andere Möglichkeit, etwas zu singen? Die Antwort ist ja. Es ist durchaus üblich, Radierungen oder Lithographien zu finden, in deren Beschreibung auf "signierte Platte" hingewiesen wird. Dies bedeutet, dass der Künstler die Platte oder den Stein signiert hat und daher die Signatur zusammen mit dem übertragenen Bild auf jede der Kopien der Serie gestempelt wurde. In diesen Fällen ist es jedoch sehr üblich, dass der Künstler nicht jedes Exemplar von Hand signiert, obwohl es nummeriert werden kann. Dies bedeutet nicht, dass diese Werke mit der gestempelten Signatur möglicherweise keinen Wert haben. Um dies zu bestimmen, sollten wir andere Faktoren berücksichtigen, z. B. wenn es sich um eine Originalausgabe handelt, die während des Lebens des Künstlers erstellt wurde, oder wenn es sich um eine erstellte Ausgabe handelt nachdem der Künstler verstorben ist und auf einem bereits vorhandenen Kunstwerk basiert.
Wie wir bereits wissen, muss neben der Unterzeichnung auch ein Originalkunstdruck nummeriert werden. Der Künstler muss die Nummerierung jeder Kopie der Ausgabe und die Gesamtzahl der angefertigten Kopien angeben. Falls die Ausgabe 150 Exemplare hat, wird sie von 1/150 bis 150/150 signiert.
Es ist üblich, dass ein kleinerer Teil der Ausgabe mit römischen Ziffern nummeriert ist. Es kommt häufig vor, dass diese Kopien in separaten Ordnern enthalten sind und als Luxuskopien mit einem höheren Wert betrachtet werden.
Wir sehen oft Kopien, die mit der A.P.-Inschrift auf Spanisch P.A. und auf Französisch E.A. Diese Kopien sind Künstlerexemplare und entsprechen, wie bereits erwähnt, 10% der endgültigen Ausgabe. Manchmal weist der Künstler darauf hin, dass dies ein künstlerischer Beweis ist, und in anderen Fällen nummeriert er sie genauso wie er oder sie es mit dem Rest der Ausgabe tut. Wenn eine Ausgabe beispielsweise 15 Künstlerexemplare enthält, kann diese mit 1/15 A.P. nummeriert werden.
Von Sammlern sehr geschätzt werden die staatlichen Beweise. Diese werden vom Künstler durchgeführt, um die Entwicklung der Platte zu überprüfen, als wäre es eine Skizze der endgültigen Arbeit. Alle von ihnen sind unterschiedlich und als P.E. I, P.E. II, P.E.III usw. P.E. steht auf Spanisch für "prueba de estado", dies ist ein staatlicher Beweis. Berühmt sind die staatlichen Beweise von Pablo Picasso; Durch sie können wir die Entwicklung einer Arbeit sehen, in der jeder Beweis dem endgültigen Bild etwas Neues bringt.
Eine andere Art von Markierung, die sehr häufig in Kunstdrucken zu finden ist, ist H.C. oder Hors Commerce, Beweise aus dem Handel. Sie werden vom Künstler mit dem Ziel gemacht, sie an Organisationen, Institutionen oder einfach als Geschenk zu spenden. Obwohl sie nicht für kommerzielle Zwecke hergestellt werden, werden die meisten von ihnen in Galerien oder Auktionshäusern verkauft.
Wenn wir Ideen von allem sammeln, was enthüllt wurde, können wir sagen, dass diejenigen, die sich für Kunstdrucke interessieren, sich der großen Vielfalt der Techniken, die diese Kunstdisziplin ausmachen, sehr bewusst sein sollten. Sie sollten bedenken, dass sich dieses Medium ständig weiterentwickelt und Künstler dies nutzen. Sie sollten wissen, dass es keine Grenzen hinsichtlich ihrer Verwendung und der Kombination zwischen ihnen gibt. Sie sollten auch darauf achten, die Wertschätzung oder Exklusivität eines Werks anhand seiner Attribute Signatur und Nummerierung zu bewerten.
Während wir weiter über Kunstdruck sprechen und Zweifel an einigen anderen Aspekten wie den verwendeten Papieren oder der Art und Weise, wie der Künstler im Studio arbeiten kann, aufklären könnten, widmen wir uns eher einigen zukünftigen Artikeln mit diesen Themen und hoffen, dass dieser nützlich sein kann um die Hauptfragen zu klären, die von denjenigen aufgeworfen werden, die sich für den Kauf von Kunstdrucken interessieren.
Wenn Sie mehr darüber erfahren möchten, wie Sie Kunstdrucke aufbewahren und eine Verschlechterung vermeiden können, lesen Sie unseren Artikel Bewahren von Kunstdrucken.
]]>Obwohl es für viele Menschen immer noch unvermeidlich ist, urbane Kunst oder Street art mit Vandalismus in Verbindung zu bringen, dürfen wir nicht vergessen, dass dies in den meisten Ländern illegal ist. Die Wahrheit ist, dass sich unsere Meinung darüber ändert. Es ist etwas paradox, dass viele Künstler Geldstrafen für die Aufführung von Werken ohne Erlaubnis anhäufen und diese bezahlen, dank der Wiederherstellung öffentlicher Räume, die von den Stadträten kuratiert wurden, die sie sanktionieren. Und selbst wenn dies so ist, wie es sein sollte, ist es der Aufstieg der urbanen Kunst, der von den Bürgern bekannter und unterstützt wird, dass viele Städte versuchen, diese Aktivität zu kontrollieren. Zum Beispiel erteilt der Rat von Buenos Aires den Künstlern die Erlaubnis, sich im öffentlichen Raum auszudrücken, ohne dass sie mehr Geld kosten als das Material, das für die Entwicklung ihrer Arbeit benötigt wird.
Wir werden nicht aufhören, mehr über diese künstlerische Bewegung zu erfahren und unsere Entdeckungen mit dem Leser zu teilen. In unserem vorherigen Artikel "Sieben Gründe, an urbane Kunst zu glauben", haben wir unsere Schwäche für Street Art erahnt und in diesem Beitrag werden wir uns ein bisschen mehr damit befassen, da es viele Künstler gibt, die sich diesem Thema widmen und jeder seinen eigenen Stil hat . Im Folgenden werden wir einige kurze Beispiele für die verschiedenen Arten von urbanen Kunststilen geben, die wir finden können. Unser Ziel ist es, niemanden zu markieren, sondern die vielen Formen oder Künste zu erklären, die jeder Bürger an seiner Stadtmauer sehen kann.
Wenn wir über urbane Kunst sprechen, ist es sehr üblich, einfache Signaturen, die wir in vielen Orten der Stadt finden, mit Street Art zu verwechseln. In größerem Maße wird die urbane Kunst für diese Tatsache nicht gebührend anerkannt. Es ist durchaus üblich, Signaturen zu finden, die lokale Fassaden oder Schaufenster verderben und dem Schöpfer nur das Ego bringen. Wir werden dieses Graffiti oder Street Art nicht berücksichtigen, sondern Vandalismus. Wir wollen behaupten, dass urbane Kunst kreativ ist, konstruktiv ist, große Fähigkeiten erfordert und ihr Ziel im Publikum hat.
Urbane Kunst hat ihre Essenz darin, Wandbilder oder Mauern aus jeder Stadt als Medium für ihre Kreationen zu verwenden. Aber wenn wir das Thema oder die Technik der Arbeit betrachten, können wir über die eine oder andere Art von Street Art sprechen.
Betrachtet man das Thema
Auch als Graffiti-Tagging bekannt, ist es der Ursprung der Street Art. In den 60er Jahren machte Darryl McCray das erste Gemälde mit seinem Pseudonym Cornbread, um die Liebe eines Mädchens zu gewinnen, das die Stadt Philadelphia mit einem Satz füllte, der besagte: "Cornbread liebt Cynthia". Er bekam endlich das Mädchen und machte auch die Presse auf sich aufmerksam, also beschloss er, seinen Namen weiter zu stempeln und schuf einen Trend. Er war der erste, aber seitdem hat sich das Graffiti stark weiterentwickelt. Aktuelle Künstler erforschen die Entwicklung der Signatur in Form und Farbe und verdienen deshalb unsere Aufmerksamkeit. Der größte öffentliche "Feind" der Banksy, King Robbo, ist ein klares Beispiel für das Markieren von Graffiti. Der Engländer Ben Eine hat diesen Graffiti-Stil so weit entwickelt, dass sich seine Arbeit auf eine vom Künstler erstellte Schriftart konzentriert und sie anhand der Buchstabenkomposition in verschiedenen Farben, Schattierungen und Formen studiert.
Viele sind die Künstler, die Kontroversen ausgelöst und ihre Werke bewegt haben. Bekannt ist der Fall von Banksy, der zum Maximalstandard dieses Stils geworden ist. Das ist aber nichts Neues; Künstler wie Jean-Michel Basquiat und Keith Haring zeigten ihre Kritik an Rassismus und Homophobie in den Straßen von New York. Die Berliner Mauer wurde im Stehen zu einer Leinwand für den Kampf gegen den Kalten Krieg. Blek le Rat, der als Vater von Stencil Graffiti gilt, ist ein weiteres Beispiel für einen Künstler, der Street Art für Gesellschaftskritik einsetzt. Tatsächlich erkennt Banksy selbst den Einfluss dieses Künstlers an: "Jedes Mal, wenn ich denke, dass ich etwas minimal Originelles getan habe, stelle ich fest, dass Blek le Rat dasselbe erst vor 20 Jahren getan hat." Bekannt für seinen Aktivismus ist auch der Künstler Shepard Fairey, der in seinen Arbeiten seine Ablehnung von Umweltfragen, seine Besorgnis über die Verletzung der Menschenrechte zum Ausdruck bringt oder seine Unterstützung für Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens in Situationen der Ungerechtigkeit wie Ai Weiwei oder Aung San Suu Kyi zeigt.
Viele urbane Künstler kreieren ihre Werke, um ihre Gefühle auszudrücken und sie an den Betrachter weiterzugeben. Diese haben keine direkte Botschaft über den persönlichen Sinn hinaus, den jeder Einzelne findet. Die überwiegende Mehrheit dieser Kunstwerke befindet sich in verlassenen und verfallenden Räumen. Dank ihnen werden diese Orte wieder lebendig und gewinnen einen Sinn zurück. Zum Beispiel hat der norwegische Künstler Martin Whatson eine Vorliebe für diese Räume und wir können mit Sicherheit sagen, dass seine Arbeit die Schönheit zurückerhält, die die Zeit verloren hat. Künstler wie Snik suchen nach großen Wandgemälden, um größere Werke zu schaffen, die die Stadtlandschaft definitiv verschönern.
Abstraktion hat ihren Platz in der urbanen Kunst. Künstler wie José Parlá oder Smash137 schätzen Kunstsammler bereits sehr und ihre Arbeiten wurden in großen Galerien ausgestellt. Kalligraphie und Sprühfarbe entstehen in Strichen, Linien und Formen, die sich mit dem Medium verflechten.
Die Signatur und die Abstraktion verschmelzen in dieser Art von Werken, die scheinbar aus der Wand heraus wollen. Der Effekt, den Künstler wie Daim und Peeta erzielen, ist wirklich erstaunlich. Mit beeindruckenden Fähigkeiten im Umgang mit Sprays erzeugen sie Formen, Farben und Schattierungen, die unsere Augen täuschen und einen spektakulären optischen Effekt erzielen.
Berücksichtigung der Medien
As mentioned above, Blek le Rat was the first to use temWie oben erwähnt, war Blek le Rat der erste, der Vorlagen verwendete, um seine Kreationen auf den Straßen von Paris festzuhalten. Da dies eine illegale Handlung ist, vielleicht um nicht von den Behörden erwischt zu werden, ist diese Technik aus der Notwendigkeit heraus entstanden. Die Arbeit wird im Voraus vorbereitet und sobald der Ort ausgewählt wurde, muss der Künstler sie nur noch mithilfe von Vorlagen in das Medium sprühen. Künstler wie Banksy, Shepard Fairey und Mr. Brainwash sind heute die beliebtesten. Andere Künstler wie Martin Whatson oder Snik verwenden diese Technik und fügen dann ihre eigene Handbearbeitung hinzu. Der Künstler Roamcouch führt diese Technik an ihre Grenzen und seine Arbeiten erfordern eine große Anzahl von Vorlagen, die nach Überlappung ein äußerst detailliertes und ausgearbeitetes Bild erzeugen.
Grundsätzlich erstellt der Künstler zuvor Aufkleber, die dann in verschiedenen Teilen der Stadt platziert werden. Der Begriff bezieht sich auf ein "Bombardement", gerade weil der Künstler nicht vorgibt, ein einzelnes Bild aufzunehmen, sondern mit einer großen Anzahl von ihnen in die Stadt "eindringen" will. Dies macht auf sich aufmerksam, als wäre es eine Marketingkampagne. Die meisten Künstler, die diese Technik anwenden, tun dies, um sich bekannt zu machen und Bekanntheit zu erlangen. Shepard Fairey selbst erlangte viel von seinem Ruhm, indem er Bilder von Andre dem Riesen in vielen Städten der Vereinigten Staaten klebte.
In diesem Fall reißt der Künstler mit Hilfe eines Meißels oder eines ähnlichen Instruments das Material in der Wand heraus, um das Bild zu erstellen. Der portugiesische Künstler Vhils oder die in Madrid ansässige Gruppe Boa Mistura sind gute Beispiele für die Verwendung dieser Technik.
In einigen Städten ist es zunehmend üblich, nicht übereinstimmende Elemente in Straßenmöbeln zu sehen. Dies ist kein Vandalismus, sondern Installationen, die Künstler wie der Madrilenian SpY vor unsere Augen gestellt haben. Manchmal modifizieren sie einfach Stadtmöbel und manchmal fügen sie einfach Elemente hinzu, die uns verblüffen. Dies ist definitiv ein guter Weg, um den aufmerksamsten Bürger zu erreichen.
Die Kunst des antiken Rom wiederherstellend, haben Künstler wie der französische Eindringling ihre Arbeiten aus kleinen Platten geschaffen, die zusammen ein Bild ergeben.
Die meisten dieser städtischen Künstler haben ihre eigenen Drucke veröffentlicht. Mit diesen Medien haben sie ein noch breiteres Publikum erreicht, und es gibt viele, die Serigrafien und Lithografien in limitierter Auflage besitzen und diese in ihren Häusern genießen. Es ist nicht notwendig, in Los Angeles zu leben, um die Arbeit von Mr. Brainwash zu sehen, Paris zu besuchen, um von Invader-Mosaiken überrascht zu werden, oder nach Norwegen zu gehen, um Whatsons Kreationen zu genießen. Wir können gedruckte Arbeiten dieser Künstler beispielsweise bei Artetrama erwerben.
]]>Einige dieser Künstler erhielten ihre Ausbildung an der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando. Hier geben wir einen Rückblick auf einige der wichtigsten historischen Momente dieser Akademie.
Sie wurde 1752 während der Regierungszeit Ferdinands VI. eröffnet, um die Art und Weise des Unterrichts zu verändern, die die bildenden Künste bis dahin hatten. Mit der Gründung dieser Akademie sollte die Ausbildung der Studenten zugänglicher werden und das Lernen in der Werkstatt beiseite lassen. Zu Beginn wurde der Unterricht für Malerei, Bildhauerei, Architektur und Gravur geregelt. Etwas mehr als ein Jahrhundert später kam die Musik zu diesen Disziplinen hinzu. Die Reform von 1987 schloss die Bereiche Fernsehen, Fotografie, Video und Film ein.
Obwohl die Schule von drei italienischen Künstlern eröffnet wurde, zählt sie heute 56 Akademiker. Diese Persönlichkeiten fühlen sich geehrt, diesen Titel zu tragen, weil sie auf ihrem Gebiet hohes Ansehen genießen.
In den Räumen dieser Schule haben viele wichtige Künstler gelernt, aber einer der vielleicht umstrittensten wäre ein junger Dalí, der Anfang der 20er Jahre seine Studien besuchte. Während seiner Schulzeit traf er mit anderen zukünftigen Stars der zeitgenössischen spanischen Maler wie Benjamin Palencia, Rafael Zabaleta und Julio Romero de Torres zusammen. Seine wohl bedeutendste Hochschule war die Malerin Maruja Mallo, mit der er eine große Freundschaft schloss. Dalí, diese farbenfrohe Figur mit langen Haaren und Koteletten, würde mehr Beziehung zu seinen Mitstudenten im Studentenwohnheim in Madrid aufbauen, unter ihnen der Dichter Garcia Lorca und der Filmemacher Luis Buñuel. Wir beziehen uns auf einen umstrittenen Salvador Dali, weil er zweimal von der Akademie ausgeschlossen wurde. Das erste Mal 1923, weil er einen Studentenprotest gegen die Nichtvergabe des Lehrstuhls an den Maler Daniel Vázquez Díaz angeführt hatte. Im Jahr 1924 nahm er seine Studien wieder auf und wiederholte das Jahr, aber kurz vor seinem Abschlussexamen im Jahr 1926 wurde Dalí definitiv von der Akademie ausgeschlossen, indem er erklärte, dass es keinen akademischen Lehrer mit ausreichenden Fähigkeiten gebe, der in der Lage wäre, seine Arbeit zu untersuchen.
Benjamin Palencia gründete zusammen mit dem Bildhauer Alberto die "Escuela de Vallecas", zu der sich einige seiner Kommilitonen sowie andere kulturelle Persönlichkeiten der damaligen Zeit wie Rafael Alberti oder Pablo Neruda gesellten. Jahre später gingen einige andere Künstler Menchu Gal oder Luis García-Ochoa durch die Akademie und gehörten der "Zweiten Schule von Vallecas" an.
Die berühmte Gruppe "El Paso" wäre nicht dasselbe gewesen, wenn nicht einige ihrer Mitglieder an der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando studiert hätten. Luis Feito, Juana Francés und Martín Chirino studierten gemeinsam im Zentrum und schlossen sich mit anderen Künstlern wie Antonio Saura, Manolo Millares und Rafael Canogar zusammen, um diese Gruppe zu gründen, die in der Kunstszene Madrids eine so große Bedeutung hatte.
Auch die realistischen Maler Antonio Lopez und Lucio Muñoz, die beide der so genannten "Madrider Schule" angehören, besuchten die Akademie für Bildende Kunst. Einige Jahre später trat auch Darío Villalba in die Klassenzimmer des Zentrums ein.
Gegenwärtig sind viele der soeben erwähnten Künstler Akademiker in der Institution, wobei einige von ihnen mehr als andere an den Entwicklungen der Aufgaben, die der Leitung der Königlichen Akademie entsprechen, beteiligt sind. Aber wie wir bereits erwähnt haben, haben Akademiker aufgrund ihrer Anerkennung einen Anspruch, und deshalb haben nicht alle von ihnen die Klassenzimmer der Akademie durchlaufen. So finden wir in der Ehrentafel der letzten Jahre Künstler von der Statur von Joan Hernández-Pijuan, Martin Chirino, Antoni Tapies oder Gustavo Torner . Gegenwärtig sind Rafael Canogar, Luis Feito oder Antonio Lopez einige dieser akademischen Persönlichkeiten.
Bitte zögern Sie nicht, die Website der Akademie für weitere Informationen zu besuchen: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (nur auf Spanisch).
Immer mehr Städte schließen sich diesem Boom an, um als Touristenziel wieder auf den Markt zu kommen, die Stadt zu erneuern und die Künste zu fördern. Künstler verschiedener Nationalitäten konzentrieren sich in wenigen Tagen darauf, ein gemeinsames Kulturprojekt zu fördern und Ansichten und Ideen auszutauschen.
Alle diese künstlerischen Veranstaltungen haben zwei gemeinsame Ziele: vergessene Räume der Städte, in denen sie feiern, wiederherzustellen und Kunst der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Diese für alle zugänglichen Freilichtmuseen sollen die kulturelle Bereicherung der Bürger fördern und fördern.
UPFEST - Bristol - Vereinigtes Königreich
In der Stadt, in der Banksy aufgewachsen ist, finden wir das größte Street Art- und Graffiti-Festival, das dieses Jahr in Europa zu sehen ist. Mehr als 250 Straßenkünstler aus 25 Ländern werden sich in dieser Stadt versammeln, um ihre Wände vor Tausenden von Besuchern zu streichen. Seit seiner Gründung im Jahr 2008 hat sich UpFest zu einem wichtigen Ereignis entwickelt, bei dem das Publikum nicht nur Kunst genießen kann, sondern auch die von der Organisation geplanten Musikshows und Workshops. Künstler wie Copyright, Otto Shade oder Hush werden am 25., 26. und 27. Juli in dieser englischen Stadt sein, um am Festival teilzunehmen.
Memorie Urbane – Gaeta – Italien
Ohne Zweifel einer unserer Favoriten. Dieses Festival, das bereits im vierten Jahr stattfindet, wird mehr als 40 Künstler beherbergen. Unter ihnen finden sich Btoy, Ella & Pitr, Stein, Alias, David Walker, Ernest Zacharevic oder David de la Mano. Darüber hinaus werden in einigen Kunstgalerien der Stadt gleichzeitig Ausstellungen organisiert, in denen die Innenarbeiten einiger dieser Künstler gezeigt werden.
Nuart Festival - Stavanger – Norwegen
Wenn es ein Festival gibt, das Nordics als Standard hat, dann ist es das. Es findet in Stavanger statt und bringt jedes Jahr die herausragendsten lokalen und internationalen Künstler zusammen. Martin Whatson, Dot Dot Dot, Icy and Sot, Etam Cru, Ben Eine, Aiko, Vihls, Dolk, Nick Walker, D*Face, Hush, Tilt oder Blek le Rat haben mit ihrer Teilnahme am Nuart ihre Spuren in dieser Stadt hinterlassen .
Mulafest – Madrid – Spanien
Madrid veranstaltet am letzten Juniwochenende das größte städtische Kulturfestival des Landes. Die relevantesten und aufstrebendsten lokalen Künstler werden daran teilnehmen. Die Graffiti-Kunstszene hat eine besondere Relevanz und die Organisation hat einige Workshops vorbereitet, darunter das partizipative Wandbild von Ricardo Cavolo, ein Illustrationswettbewerb und Graffiti-Schlachten. Neben Kunst bietet dieses Festival eine Reihe von Sportwettbewerben, Musikshows, einen Straßenzirkus und andere Workshops sowie eine Auswahl der neuesten Technologien für die kreative Welt.
Wool Fest – Lisbon – Portugal
Urban Art Festival Covilha - eine Stadt mit zahlreichen Wollmühlen und daher der Name - bringt die internationalsten portugiesischen Künstler wie Vhils, MaisMenos oder Bordalo II zusammen. Wir wissen nicht, ob diese Veranstaltung im Laufe des Jahres 2015 stattfinden wird, da sich die Organisation stark auf die Entwicklung von Aktivitäten zur Förderung der Straßenkunst in verschiedenen portugiesischen Städten konzentriert.
Malta Street Art Festival – La Valetta – Malta
Noch ein Jahr, und dies ist das dritte, dieses Festival ist ein Symbol für den kulturellen Sommer in La Valletta geworden. Malta beteiligt sich an der jüngsten kreativen Explosion und wird Ende Juli viele urbane Künstler aus Italien, Deutschland, Australien oder Portugal versammeln.
ST-Art Delhi – New Delhi – Indien
Die indische Hauptstadt wendet sich einer kulturellen Plattform zu, auf der internationale Künstler wie Aiko, Okuda oder Axel Void ihre Talente auf den Wandgemälden der Stadt zum Ausdruck bringen können. Das Festival wird durch Installationen, Märkte, Workshops und Konferenzen ergänzt.
Living Walls – Atlanta – US
Es ist kein Festival selbst, sondern ein in Atlanta erstelltes Projekt, das zwei Hauptveranstaltungen hat: "Die Konferenz" und "Das Konzept". Das erste ist ein jährliches Treffen, bei dem über städtische Kunst und Urbanismus diskutiert werden soll, um einen konstruktiven Dialog für die in dieser Stadt ansässige Gemeinschaft zu eröffnen. Mit "The Concept" plant die Organisation von Living Walls mehrere Treffen im Laufe des Jahres, die sich auf jeweils einen oder zwei Künstler konzentrieren. Ernest Zacharevic, Borondo, Moneyless or Hyuro haben bereits an diesem Projekt teilgenommen.
MURAL Festival – Montreal – Kanada
Montreal befindet sich in einem Moment künstlerischer Expansion. MURAL bietet eine Open-Air-Veranstaltung an, bei der sich lokale und internationale Künstler treffen, begleitet von Seminaren, Installationen und einer überraschenden Küche. Auf jeden Fall ein guter Plan für die erste Junihälfte.
POW! WOW! Hawaii – Honolulu - USA
Diese karibische Insel beherbergt das größte Kunstfestival, an dem nicht nur Künstler, sondern auch Galerien, Verlage, Magazine, Experten und Unternehmen aus der Welt der Straßenkunst teilnehmen. Maya Hayuk, D*Face oder Jeff Soto sind einige der Künstler, die an diesem Festival teilnehmen, bei dem auch verschiedene Konzerte, Ausstellungen, Konferenzen, Workshops und Einrichtungen stattfinden.
SPECTRUM STREET ART FESTIVAL - Christchurch - Neuseeland
Renommierte Künstler wie Cope2 oder Tilt sowie eine Vielzahl lokaler Künstler werden an diesem Treffen teilnehmen. Alle von ihnen werden dafür verantwortlich sein, ihre Arbeiten auf großen Wandgemälden mit Graffiti, Paste-up oder Installationen zu zeigen. Dieses Festival tritt in die Fußstapfen seines Vorgängers, des RISE-Festivals, das letztes Jahr im Canterbury Museum stattfand und das Besucherrekorde brach. Darüber hinaus zeigt das Spectrum eine große Ausstellung von Banksys Werken mit Kultbildern wie "Flower Thrower", "Trolley Hunters", "Kids on Guns" oder "Kate Moss".
PUBLIC – Perth – Australien
Die Öffentlichkeit wird als Symposium präsentiert, das Experten aus den Bereichen Kunst, Technologie, Architektur und Städtebau trifft. So werden mehr als 50 urbane Künstler ihre Ideen mit anderen Teilnehmern aus verschiedenen Disziplinen teilen. Es ist beabsichtigt, eine Debatte über die verschiedenen Bedürfnisse zu eröffnen, die in Gemeinschaften entstehen, wenn diese transformiert und erneuert werden.
]]>In Bezug auf das Klima ist es besser, eine kalte Umgebung und nicht zu feucht, um das Wachstum von Mikroorganismen wie Pilzen oder Bakterien zu verhindern und auch um eine strukturelle Verschlechterung des Papiers zu verhindern. Die besten Bedingungen wären etwa 60% relative Luftfeuchtigkeit und 20 ° C Temperatur. Es ist wichtig, dass sich diese Bedingungen so wenig wie möglich ändern, da starke Schwankungen zu Wellen auf dem Papier führen können. Andere Umweltfaktoren wie Umweltverschmutzung oder Treibhausgase können das Papier ebenfalls beschädigen. Daher ist eine gute Rahmung oder Lagerung sehr wichtig.
Andererseits müssen wir uns um das Licht kümmern, das direkt auf unsere Werke fällt. Ein Überschuss an Leuchtkraft kann zu Verfärbungen der Pigmente und Oxidation des Papiers führen. Bei künstlichem Licht sollte ein direktes Einfallen von UV-Lichtquellen wie Halogenlampen und Leuchtstoffröhren vermieden werden. Bei der Verwendung von Wolframlampen besteht jedoch keine Gefahr.
Ein weiterer zu berücksichtigender Faktor ist der Säuregehalt. Bei einem Überschuss an Licht oder Feuchtigkeit können bestimmte saure Elemente und Lignine, die zur Zusammensetzung des Papiers selbst gehören, Oxidation verursachen. Um einen übermäßigen Säuregehalt zu vermeiden, ist es wichtig, dass alle Elemente, die gerahmt oder gelagert mit dem Papier in Kontakt kommen können, einen neutralen pH-Wert haben. Während des Einrahmens muss die Versiegelung perfekt sein, um Schäden durch Umwelteinflüsse zu vermeiden, und das Glas darf das Kunstwerk niemals berühren, da es mit der Zeit daran haften bleiben kann. Die Lagerung sollte mit alkalischen, starren Ordnern erfolgen und ein übermäßiges Gewicht vermeiden, damit der Druck keine Schäden verursacht. In Bezug auf die Manipulation der Arbeit ist es am besten, Baumwollhandschuhe zu verwenden, um ölige Flecken zu vermeiden, die das Papier im Laufe der Zeit vergilben können.
Unter Berücksichtigung dieser Faktoren werden wir sicherstellen, dass unsere Drucksammlung über die Jahre hinweg optimal erhalten bleibt.
]]>Um die Ursprünge zu verstehen, die zu dieser Bildung geführt haben, müssen wir zunächst die Situation der spanischen Gesellschaft Ende der 50er Jahre verstehen. Seit dem Ende des Bürgerkriegs waren viele Jahre vergangen, und die Franco-Diktatur regierte das Land. Aber bis in die frühen 50er Jahre war Spanien immer noch unter internationaler Isolation, da der Staat in seiner Politik während des Zweiten Weltkriegs mit der "Achse des Bösen" verbunden war. Dies führte Spanien zu einer Autarkie, die dank eines Bündnisses mit den Vereinigten Staaten gegen die Sowjetunion beendet war. Spanien hatte eine wichtige geografische Lage und war daher ein strategischer Punkt während des Kalten Krieges.
In den späten 50er Jahren sah Spanien erste Anzeichen einer unauffälligen wirtschaftlichen Erholung für eine noch zu breite Unterschicht.
Innerhalb der Kulturszene war es eine Zeit der Leere, weil viele Galerien geschlossen hatten und die meisten Händler und Sammler verschwunden zu sein schienen. Die politische und soziale Krise hatte die Welt der Kultur bereit und ohne öffentliche Aktivität stehen lassen.
Kein Wunder, dass einige junge Künstler, die diese Situation der kulturellen Armut satt haben, sich zusammengeschlossen haben, um sie wiederzubeleben. Diese Schöpfer, die aus verschiedenen Teilen Spaniens stammten und jeweils ihren eigenen Stil hatten, hatten das gleiche rachsüchtige Bewusstsein und mussten kämpfen, um die Entwicklung des spanischen Kunststoffs voranzutreiben.
Und so im Jahr 1957 El Paso; wurde gegründet. Die Künstler Antonio Saura, Manuel Rivera, Rafael Canogar, Juana Francés, Manuel Chirino, Luis Feito, Manuel Millares und Pablo Serrano sowie Kunstkritiker und Künstler Manuel Conde und José Ayllón unterzeichneten ein Manifest, das ihre Tätigkeit definierte. Kurz darauf trat Manuel Rivera dem Kollektiv bei und im folgenden Jahr Manuel Viola.
Die Gruppenmitglieder wurden verpflichtet, ein Umfeld zu schaffen, das die kreative Entwicklung außerhalb der in der bildenden Kunst etablierten Formalismen ermöglicht. Während sich die meisten dieser Künstler auf Abstraktion konzentrierten, lehnten sie alle die auferlegten Bezeichnungen und die Verwendung von Begriffen wie Konzept, Konstruktivismus, Expressionismus ab. Sie glaubten an freie Schöpfung und Forschung ohne Grenzen.
So wurde die spanische Avantgarde-Kunst zum Synonym für Nichtübereinstimmung, Durchbruch und Rebellion. Diese Bedenken spiegelten diese Künstler in ihren Werken wider, deren gemeinsamer Zusammenhang zwischen ihnen die Bedeutung der Geste und des Strichs sowie die freiwillige Reduzierung des Farbgebrauchs auf ein Minimum war. Es ist auch wichtig anzumerken, dass für diese Gruppe der historische Wert des Landes kritisch war und sie alle eine auf Tradition basierende Umgestaltung der Kunstszene hervorbrachten. Auf diese Weise können wir sehen, wie raue Materialien wie Eisen, Sackleinen, Hühnerdraht, Sand oder pastose Farbe Verzweiflung, Aggression oder Einsamkeit widerspiegeln, das Erbe von Goyas dunkelstem Spanien.
El Paso bestand erst seit drei Jahren, war jedoch produktiv und international, da nur wenige spanische Gruppen in der Geschichte waren. Während seine Informalität der Punkt der Bindung war, kritisierten sie das politische Regime nie explizit und wurden, da sie keine Bedrohung für die Regierung darstellten, zu den großen Botschaftern der spanischen Kultur des Augenblicks.
In ihrem ersten Jahr ihres Bestehens veranstalteten die Künstler viele Ausstellungen im Land, die erste war zufällig in der Galerie-Buchhandlung Buchholz in Madrid und in diesem Sommer assistierten Millares und Rivera bei der vierten Biennale von Sao Paulo Feito im Auftrag der Gruppe . Dort erhält Jorge Oteiza den Critics Award als bester Bildhauer und es wird bestätigt, dass die spanische Kunst in Mode ist. So sehr, dass das New Yorker MOMA verschiedene Werke dieser Künstler erwirbt. Ende 1957 verlassen Suárez, Francés, Rivera und Serrano die Gruppe.
In den nächsten zwei Jahren bis zu seiner Auflösung würden zahlreiche Ausstellungen in Museen und Galerien, Vorträge und Schriften die spanische Kunst im In- und Ausland fördern. Nach einer intensiven Aktivität und 15 unterschriebenen Briefen beschloss El Paso, seine Existenz im Mai 1960 zu beenden.
Wie viele Künstler dieser Zeit entwickelten die Komponenten von El Paso ihre Kreativität blind zu einer Zeit, als der Übergang zur Moderne nie zu kommen schien. Wie andere Künstler des Informalismus dienten sie als Brücke zwischen Tradition und den neuen Trends der radikalen Avantgarde. Dies geschah jedoch nicht nur in Spanien. Die Hauptstadt der Avantgarde war in Paris und der amerikanische abstrakte Expressionismus genoss sein Bestes. Mitglieder von El Paso revolutionierten nicht nur den Sektor und trieben ihn voran, sondern öffneten auch die Köpfe der spanischen Gesellschaft, die ihr Interesse bei internationalen Künstlern wie Mark Rothko, Willem de Kooning, Franz Kline oder Robert Motherwell weckten.
]]>Was ist ein Agamograph? Zunächst ist es wichtig, die Hauptmerkmale von Yaacov Agams Kunst zu kennen und zu verstehen. Seine Arbeit ist vom Judentum beeinflusst und wie es in dieser ikonoklastischen Religion der Fall ist, hat Agam in seinen Werken nie figurative Motive gezeigt und war seit seinen Anfängen in der bildenden Kunst immer ein abstrakter Künstler. Eine weitere Besonderheit in Agams Kunst ist die Verwendung von Farben, deren Studium und Verwendung er am Bauhaus gelernt hat. Diese Farben zeichnen sich durch ihre Lebendigkeit, Brillanz und Vielfalt in all seinen Kreationen aus. Wieder einmal hat die Auswahl der Farben, die in seinen Werken erscheinen, eine direkte Beziehung zur jüdischen Religion, da Yaacov Agam den Regenbogen als das erste Geschenk Gottes an die Menschheit betrachtet. Auf Hebräisch heißt Jehova Mehaveh Ou-Mithaveh, was "ständiger Wandel" bedeutet, und dies ist der Schlüssel zum Verständnis der Agams-Arbeit, deren Wesen darin besteht, dieses Konzept darzustellen.
In Bezug auf Yaacov Agam war Kunst bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts statisch. Wenn wir uns ein Bild ansehen, können wir in gewisser Weise die Vergangenheit sehen, denn nichts hat sich geändert, seit der Künstler entschieden hat, dass die Arbeit beendet ist. Mit dieser Idee versuchte Agam Mitte der 50er Jahre, die Zeit als einen weiteren Faktor einzuführen, der im Schöpfungsprozess berücksichtigt werden sollte, und erfand daher den Agamographen.
Die Zeit kann weder wiederholt noch vorhergesagt werden. Wenn wir einen Agamographen beobachten, können wir daher nicht dasselbe Bild aus verschiedenen Blickwinkeln sehen. Jedes Mal, wenn wir uns bewegen, wird das Kunstwerk transformiert. Der Künstler lädt uns ein zu denken, dass es nicht möglich ist, die Gesamtheit seiner Arbeit zu sehen, ohne sich räumlich und zeitlich zu bewegen und mit ihr zu interagieren.
Wie funktioniert ein Agamograph? Wir werden erklären, wie das grundlegendste funktioniert. Wir haben eine Oberfläche, zum Beispiel Papier, und falten sie viele Male parallel zu einer ihrer Seiten, so dass sie nach dem Dehnen wie ein Akkordeon im Zickzack aussieht. Wenn wir zu jeder der parallelen Seiten dieses Zickzacks den entsprechenden Teil eines Bildes hinzufügen und dies auch mit anderen parallelen Seiten des Zickzacks tun, die ein anderes Bild hinzufügen, ergibt sich insgesamt eine Arbeit, die einmal aus einem Winkel betrachtet wird Eines der Bilder aus dem entgegengesetzten Winkel zeigt das andere. Das größte Beispiel für diese Arbeit befindet sich an der Fassade des Callahan Eye Foundation Hospital in Birmingham, Alabama.
Lenticular technology basis
A lenticular screen
In Bezug auf Agams grafische Arbeiten hat er Lentikulartechnologie verwendet, um seine Agamographenserie in limitierter Auflage zu erstellen. Diese Technologie arbeitet auf der gleichen Grundlage wie oben erläutert, aber in diesem Fall werden die mehreren Bilder verschmolzen und direkt auf dem mit lithografischen Medien gedruckten Papier angezeigt, und es ist der linsenförmige Bildschirm, der die Arbeit abdeckt, die für die Erstellung verantwortlich ist Der visuelle Effekt, mit dem wir je nach Blickwinkel nur ein anderes Bild anzeigen können.
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