La rébellion comme moteur de la création artistique au XXe siècle

La rébellion comme moteur de la création artistique au XXe siècle

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Jusqu'au début du XXe siècle, l'art, à travers ses différents courants, est axé sur la représentation de la réalité qui entoure l'artiste. Qu'il s'agisse de coutumes, de scènes religieuses ou de paysages, il semble que tous les mouvements picturaux aient un but commun, la recherche de la beauté.

Les mouvements nés de ce moment rompent radicalement avec cette idée. Le futurisme italien intègre la machine et le mouvement, faisant d'objets comme les voitures ou les avions des protagonistes et affirmant que l'industrie est le nouveau pilier sur lequel repose l'être humain, ce qui l'emporte clairement sur la nature. Le cubisme, avec sa déconstruction de l'image, est l'étape finale de la rébellion et de l'anarchie, résultat de périodes de répression mais aussi inspiré par la nécessité de récupérer la forme des éléments représentés, perdue dans l'impressionnisme. Le dadaïsme, avec Schwitters et Duchamp en tête, crée le concept paradoxal d'anti-art et développe la théorie de l'absurdité en exaltant les objets quotidiens et en les emmenant dans les galeries d'art. Des exemples tels que "Le dynamisme d'un cycliste" de Boccioni, le "Guernica" de Picasso ou "La fontaine" de Duchamp montrent clairement que l'art conventionnel représente le classique et les formalités et que ces artistes sont le nouveau visage de l'art, moderne et anticonformiste.

Si l'on saute quelques décennies et que l'on avance jusqu'aux années 50, on trouve un jeune artiste qui expérimente le kitsch et la production de masse. Nous parlons de Robert Rauschenberg, qui met tous ses efforts à faire connaître l'art au grand public et à rompre avec le sérieux et l'élitisme culturel de l'expressionnisme abstrait. Rauschenberg est la source d'inspiration d'artistes tels que Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Jasper Johns et James Rosenquist, parents de la culture pop.

Comme nous venons de le mentionner, jusqu'au milieu du siècle, l'art était rebelle et révolutionnaire, si seulement il était compris par peu de gens. Ce sont ceux qui avaient une formation universitaire et des compétences culturelles étendues qui ont eu la chance de pouvoir comprendre et apprécier ce que les artistes représentaient. Encore moins nombreux étaient ceux qui, en plus de posséder ces qualités, avaient le pouvoir d'achat nécessaire pour acquérir certaines des œuvres exposées dans les galeries d'art. C'est le moment de l'histoire de l'art où le Pop Art apparaît. Et le fait est que le Pop n'est ni plus ni moins qu'une abréviation de "populaire"; le Pop art consiste à rendre l'art accessible au peuple, du moins culturellement parlant.

À une époque où la culture de consommation est à son apogée, la frontière entre l'art et la publicité est si faible qu'elle disparaît. Roy Lichtenstein utilise l'esthétique des vignettes publicitaires et du benday (points tissés qui créent une image typique de l'impression) avec un langage ironique et sarcastique pour approcher le public.

Andy Warhol (dont nous avons parlé dans d'autres articles tels que "Les idoles d'Andy Warhol" et "Andy Warhol: Marylin series"), fait passer la production de masse à un autre niveau. Ses représentations des Campbell's Soups et ses portraits de stars du cinéma et de la musique, amènent l'ordinaire à la galerie d'art. Andy Warhol donne un coup de pouce à la création artistique en développant un grand nombre de ses œuvres par un procédé d'impression typique de l'industrie comme la sérigraphie. De cette façon, Warhol met en valeur le concept de populaire à travers le processus de création de ses œuvres.

Si on avance encore dans le temps, on arrive dans les années 80. La fin de la guerre du Vietnam, l'inimitié entre la Russie et les États-Unis et la fin des temps heureux de l'ère du disco font de ces années des jours sombres. Le monde de l'art souffre et les artistes, frustrés de ne pas pouvoir se faire une place dans les grandes galeries, sortent dans les rues décadentes où ils trouvent un espace pour s'exprimer. Ainsi, on retrouve dans l'histoire de l'art DONDI (Donald Joseph White) et ses "Children of the grave" (titre d'une chanson de Black Sabbath). Une fois de plus, l'art et le paradoxe se rencontrent cette fois-ci sur trois wagons de métro qui sont illégalement peints aux yeux du public.

À une époque de surconsommation, où l'argent est synonyme de pouvoir et de bonheur, des artistes comme Jean Michel Basquiat, Keith Haring ou Bleck Le Rat s'efforcent de créer une conscience sociale. Basquiat, sous le pseudonyme SAMO, laisse de côté le tagging pour créer des poèmes qui révèlent l'existence d'une partie de la société marginalisée et défavorisée, qui coexiste avec les yuppies obsédés par l'argent. Keith Haring, militant pour la liberté et les droits de l'homme, a utilisé sa formation en arts graphiques pour redécorer les rues et le mobilier urbain avec son style unique. Ses représentations de la vie, de la mort, du sexe et de la guerre étaient motivées par des intentions sociopolitiques. Bleck Le Rat, s'est fait connaître après avoir répandu un fléau de rats sur les murs de la capitale française, car, selon cet artiste, ce sont les seuls animaux libres que l'on peut trouver dans les grandes villes.

Il est inévitable de constater les nombreuses similitudes entre l'art urbain et le pop art. Les deux mouvements poursuivent l'idée de rendre l'art accessible au grand public, soit par la peinture, l'œuvre graphique ou dans le mobilier urbain à la vue de tous. Il est également courant de trouver, comme nous l'avons déjà mentionné dans notre article "Street art, bien plus que de graffiti", des touches d'ironie, de satire et de parodie sur le Street art, piliers du Pop Art.

Ainsi, il est facile de voir comment les jeunes artistes urbains d'aujourd'hui prennent comme référence leurs prédécesseurs. Si l'on regarde les œuvres de D*Face, il est facile de voir l'influence des vignettes comiques de Roy Lichtenstein. Et comme ce dernier, Sandra Chevrier s'en inspire et utilise la bande dessinée pour créer d'impressionnants portraits féminins. Pure Evil, comme Warhol, utilise l'image des visages les plus célèbres du cinéma et de la musique pour créer sa série de "cauchemars". Le roi de la pop est certainement aussi une source d'inspiration pour Mr. Brainwash (on peut voir Kate Moss ou Andy Warhol dans les œuvres de cet artiste) ou Shepard Fairey. Invader prend quelque chose d'aussi banal que l'image artistique des jeux vidéo et on peut voir les mosaïques dans les villes du monde entier, mais aussi à l'intérieur des plus grandes galeries. Il est indéniable que Bleck Le Rat inspire Banksy et lui à son tour à autant d'artistes urbains.

On peut dire que depuis le début des avant-gardes du XXe siècle, les artistes ont pris une longueur d'avance sur la situation sociale et politique de leur époque. Que ce soit par le non-conformisme, la rébellion ou l'expression d'une idée, nous avons constaté la nécessité de rompre avec les idées les plus conservatrices et les plus préconçues. C'est avec l'émergence de l'art urbain qu'il prend toute sa dimension, car au-delà des considérations esthétiques, il explore les problèmes éthiques liés à la consommation de masse, à la mondialisation ou au capitalisme.

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